tag:blogger.com,1999:blog-83392127720095809112024-02-20T05:00:19.961+01:00Casaputas: cine y poco másPorque el cine no deja de ser la única casa de putas en la que todos confiesan haber estado.M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.comBlogger36125tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-56558094853216603622013-03-13T14:08:00.002+01:002013-03-13T18:10:20.707+01:0010 Muestra SyFy, días 3 y 4: HerenciasPuesto que, debido a que este año se ha decidido prescindir de las clásicas sesiones de tarde del domingo en detrimento de la experiencia <b>Phenomena </b>tan bien traída con dos clásicos atemporales como <b>Alien </b>y <b>Total Recall </b>(que, a su vez, aparté en beneficio de actos más sociales y amigables), he decidido condensar ambas jornadas con la esperanza de así ahorrarme el dilatar más en el tiempo las crónicas del festival, y no llegar a la 11 Muestra con aún alguna colgando del tintero.<br />
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Las plegarias respecto a la vuelta de la animación japonesa a la programación de la Muestra han sido escuchadas, y el resultado es una milagrosa pieza de orfebrería necesaria para entender la madurez de un género que nunca ha parado de hacerlo. De mano del mismo realizador de <b>Summer Wars</b> (Mamoru Hosoda, 2009), ya vista hace tres años en la muestra y que demostró el buen estado del anime contemporáneo, <b>Wolf Children </b>(2012) supone un nuevo triunfo sobre la forma. Lejos de querer caer en el argumento rancio de reivindicar la animación como un género donde expresar todo tipo de ideas y emociones (fenómeno nacido del desconocimiento, tal y como aquellos que defienden la ciencia-ficción arropándose única y exclusivamente en <b>Blade Runner</b>), la obra del japonés adquiere un equilibrio perfecto entre el costumbrismo y lo fantástico, entre la tradición espiritual del archipiélago y la modernidad donde resulta imprescindible intergrarse. El gran logro de Hosoda pasa por abordar una historia del todo emotiva sin caer en sentimentalismos, equiparando el sumo respeto que <span class="itemprop" itemprop="name">Joon-ho Bong demostró en <b>Madeo</b> (2009) hacia la figura materna sin escudarse en sensibleros derroteros por los que sería fácil pasear. Dejando de lado la implecable y sencilla factura técnica, plagada de cantidades de escenas en segundo plano que aportan realismo al conjunto, el relato discurre con toda naturalidad ante la perspectiva de que una situación fantástica sea proclive a ser un problema integrador como podría serlo cualquier otra discapacidad, condicionante externo o estigma social; un miedo japonés tan antiguo como la quijotesca situación de los dos niños-crías ante la civilización o la vida salvaje. Otro canto de cisne asiático hacia la figura materna, al peso de las decisiones a tomar y dejar pasar, y que no condiciona al espectador a que se sienta coaccionado por las muy predicibles connotaciones sentimentales que puedan surgir del discurso. Sin duda alguna, la película de la Muestra.</span><br />
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<span class="itemprop" itemprop="name">Se abre la veda. Francis Ford Coppola está hasta los cojones y disfruta demostrándolo. O bien disfruta estando hasta los cojones y lo muestra como efecto colateral. En todo caso, <b>Twixt </b>(2011) seguiría siendo una inclasificable manera de apartar cualquier atisbo de su obra anterior a costa de perderse en uno mismo, de darse cuenta de que un cineasta no tiene por qué ser deudor ni de su propia obra y, al margen de los resultados</span><span class="itemprop" itemprop="name">, poder transitar el camino que a uno le venga en gana. Uno no puede quitarse la sensación de que el Coppola guionista quiso contar algo realmente potente y trascendente, y que en algún punto dejó de lado cualquier ínfula y se dedicó a decorar esta historia sobre el auge, desarrollo y caída del proceso creativo con elementos malsanos pocas veces eclosionados. Por ello mismo rompo una lanza a favor del film, que bastante tocado anda ya, que aúna cierto paralelismo sobre la carrera de Val Kilmer (el trauma que sufre su personaje bien podría ser la carrera de quien lo interpreta), conatos de evolución cinematográfica con las nuevas tecnologías que quedan como curiosidades rozando el ridículo, indicios de remonte lastrados por la desidia con la que lo trata y, sobre todo, la siempre agradable sensación de que un maestro suda de todo y no se corta en rodarlo.</span><br />
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<span class="itemprop" itemprop="name"><b>Antiviral</b> (Brandon Cronenberg, 2012), contada de forma resumida a cualquiera que guarde cierto interés en ella, no deja de ser una película deudora e incluso parte de la filmografía de su padre David; sin embargo, Brandon se destapa más deudor de otras óperas primas como <b>Pi</b> (Darren Aronofsky, 1998) o, como <a href="http://www.denofgeek.com/movies/24309/brandon-cronenberg-interview-antiviral-celebrities-and-sci-fi">él mismo afirmaba</a>, la saga <b>Tetsuo</b>, más que los intereses sobre la Nueva Carne que bien podría haber mamado desde su infancia. Mucho más estilizada en su forma que en su contenido, el planteamiento nada sutil sobre los virucuetos de la fama adquiere una visceralidad encomiable en sus últimos compases, una vez posicionada la enfermiza figura del protagonista como portador del mal; una suerte de camello de enfermedades controladas en beneficio de una sociedad enferma por conseguirlas, cuyo provecho denota cierto masoquismo que deriva al egoísmo más absoluto. Todo corporativismo<b> </b>en base a -literalmente- las entrañas de sus clientes y empleados plantea una metáfora mucho mayor, un mensaje mucho más elaborado que la simple vampirización del simple planteamiento distópico, y que inaugura una prometedora carrera al margen de cualquier predisposción genética.</span><br />
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<span class="itemprop" itemprop="name">Me pregunto si el hecho de que <b>Cabin in the Woods</b> (Drew Goddard, 2011) sucediera a la película de Cronenberg fue algo a drede, en tanto comparten muchos más puntos en común que lo que a primera vista podría pensarse. A estas alturas poco queda por decir de la particular visión de Goddard-Whedon del género, de cómo se atreven a destrozar sin contemplaciones los fundamentos del slasher y de las ganas de tocar los huevos a todo el que considera que tiene la clave para salvaguardar los preceptos del terror. Lo que bien esconde esta fábula corporativista en el fondo es un alegato absoluto al egoísmo ético, donde el clásico grupo de descerebrados teens con ganas de marcha eligen su propio destino condicionados por fuerzas mayores y que, llegado a un punto, solo se ven liberados de ese yugo aquellos que aceptan las consecuencias devastadoras de alejarse de ello. Obviar e incluso vilipendiar el sacrificio es la mayor victoria de una cinta que, cuando se disipe la bruma del fenómeno, uno espera que se mantenga como pilar al que acudir cuando se quiera hablar de la honestidad y capacidad de evolución del género.</span><br />
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<span class="itemprop" itemprop="name">No se puede exigir formalidad en una sesión golfa. Es decir, sí se puede, pero el riesgo de parecer imbécil (o demostrarlo) es bastante elevado. La propuesta de <b>Dead Sushi</b> (Noboru Iguchi, 2012) prácticamente exige ser un gamberro en la sala y un desalmado en el humor, poco tolerante a quien se acerca a una sala a exigir silencio y formalidades a viva voz. Absoluta deudora del anime más loco y bebedora a su vez de la verborrea Z más propia de la Troma, la tercera película japonesa de la Muestra propone aparcar cualquier tipo de prejuicio y análisis, denotando una falta de complejos y capacidad de llevar lo soez con unas tragaderas considerables. Debo destacar por necesidad su banda sonora, absolutamente patética y perfecta; lo momentos de introspección y moraleja entre salvajada y salvajada, dignos de las mejores obras de la serie Z; y, por último, que lleve al límite el tema culinario: por una parte toda la documentación -verídica- sobre la elaboración y correcta degustación de un buen menú de sushi, y por la otra los típicos chascarrillos culinarios sobre qué alimentos merecen la pena y los que no. Es algo universal y rancio, el enjuiciar sistemáticamente según nos guste lo que comemos. Porque a mí sí me gusta el nigiri de tortilla y quiero que conste.</span><br />
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<span class="itemprop" itemprop="name">Si con <b>Grabbers </b>el asunto denotaba una cierta desidia con el tema fantástico-comedia británica, <b>Cockneys vs. Zombies</b> (Matthias Hoene, 2012) parece buscar apuntillarlo con la discordancia entre lo que promete y lo que otorga. Quizás lo mejor que podría haberle pasado hubiera sido prescindir de referencias al decadente y particular mundo suburbial de Londres, que si bien uno no espera las incisivas formas del primer Guy Ritchie, tampoco lo hace con el festín de condescendencia y benevolencia de la que hace gala. Tan solo un par de apuntes cómicos sobre la ancianidad ante la llegada de la horda y el momento en el que las hinchadas zombies del West Ham y el Millwall se pelean (aún en su condición) suponen los únicos rayos de luz en un producto tan lastrado por sus inhibiciones como por su desaprovechamiento presupuestario. </span><br />
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<span class="itemprop" itemprop="name">Hace dos ediciones cerró la Muestra, y con cierto éxito, <b>The Last Exorcism</b> (Daniel Stamm, 2010), de la cual se dio <a href="http://casaputas.blogspot.com.es/2011/03/8-muestra-syfy-dia-4-vampirizando.html">buena cuenta</a> en su momento. Si en aquella achaqué la discordancia entre prestarse absolutamente al found footage para saltárselo a la torera en su último tramo y, con ello, abogué por una narración clásica en esos casos, con <b>The Last Exorcism Part II </b>(</span><span class="itemprop" itemprop="name">Ed Gass-Donnelly, 2013) recurre a esa petición mal que me pese. Cuando precisamente el realismo de la cámara en mano hubiera sido más necesario, ya que al tratarse de la superación de un trauma y su posterior reinserción el formato documental encajaría a la perfección, prefiere adherirse a lo fácil y, desgraciadamente, de la forma más aburrida. Es una lástima que una saga que comenzó en su primer tramo como una vuelta de tuerca a los exorcismos cinematográficos a través de un farsante, termine por caer en los convencionalismos más trillados y las resoluciones más manoseadas.</span><br />
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<span class="itemprop" itemprop="name">Por último, me propuse no hablar de la Muestra más allá de sus películas, cero análisis del evento como tal, prescindir del típico cierre comentándolo. Voy a cumplirlo.</span>M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-33635341664182455902013-03-11T19:34:00.002+01:002013-03-12T04:21:47.513+01:0010 Muestra SyFy, día 2: De cada casaMientras que en crónicas del año pasado lamentaba la ausencia de mayor varianza internacional, parece que la organización ha sido expeditiva y brinda una jornada de lo más variada, tocando todo género y metiendo un elemento inclasificable al día. No se trata tanto de la calidad de las mismas (y de las proyecciones aún demasiado oscuras) como el notar que merece la pena entrar a plena luz del día y salir a la fría noche.<br />
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En teoría, y sin muchas excepciones (al menos no recuerdo ni una), las adaptaciones del anime a la filmación de carne y hueso pasan por un proceso traumático donde o bien se mantiene una fidelidad extrema, haciéndolo parecer todo un baño de gomina y colores que solo contenta a quienes defienden los fan-made trailers por el brillo de la coraza; o bien, y al menos resulta menos bochornoso, se queda a un nivel monótono y realista para evitar cualquier estridencia. Sin embargo <b>Rurôni Kenshin </b>(Keishi Ohtomo, 2012) mantiene un inusitado equlibrio en base a formas más academicistas, resultado quizás de un alto presupuesto y la condición histórica tan largamente tratada y venerada en el cine japonés. Picoteando tanto del manga, anime y OVA del que parte, el gran logro sobre el que se sustenta es continuar la larga tradición de personajes inadaptados en la transición Tokugawa - Meiji de un modo más distendido de lo habitual, sin caer en la frivolización que podría resultar de un trasvase directo, incluso abriendo sin vergüenza muchas ventanas por las que otros autores de mayor reconocimiento ya se asomaron. Todo aderezado con unas fabulosas coreografías (mejor individuales que grupales), sin duda se trata de una de las sorpresas de la muestra, más por lo que implica que por su resultado.<br />
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La comedia británica pasa por un impasse tras haber vivido una época dorada en los 90, en la cual los herederos de aquella parecen incapaces de salir de unos cuantos convencionalismos ya lastrados por el creciente cisma social presente en las islas. Cabe la posibilidad de que <b>Grabbers </b>(Jon Wright, 2012), en su interesante partida de base extraída de <b>Critters</b> (Stephen Herek, 1986), baile en su tono en el intento de evitar encasillamientos que han tirado por tierra otras propuestas cómicas-fantásticas también vistas en la muestra, y con ello no consiga cohesionar ambas. Pero si hay algo que no se le puede echar en cara al film de Wright es un loable intento de conservar cierta identidad localista irlandesa, en mostrar la real belleza de una isla conservada en el aislacionismo donde hasta el alcohol supone una defensa ante elementos exteriores. En todo caso, la siempre evocadora idea de los aislados paraísos imperfectos costeros británicos, un género por sí mismo dentro de la cinematografía de las islas.<br />
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Ya como tradición, las películas que dejan descolocado y sin posibilidad de redención deben estar presentes. La que nos ocupa, <b>Boneboys </b>(Duane Graves, Justin Meeks, 2012) se lleva la palma como el mayor exponente de incoherencia y sinsentido, el auténtico intento de maquillar lo insustancial con un ambiente ilógico y malsano de este año. Partiendo de forma inverosímil del fabuloso ensayo <b>Una Modesta Proposición</b> de Jonathan Swift, uno se pregunta dónde ha ido a parar el potencial que la mezcla de tamaña sátira con el slasher podía haber llegado a dar. Cualquier tipo de ínfula por medrar en una escena queda neutralizada en la siguiente, como si los realizadores se metieran en un jardín del que, en vez de salir como Coppola lo hace (más adelante lo explico), persisten en sus intenciones. Al igual que comenté con <a href="http://casaputas.blogspot.com.es/2012/03/9-muestra-syfy-dia-2-el-infierno-es-un.html"><b>Stake Land </b></a>el año pasado, no consigo explicarme cómo no existe algún tipo de actividad extracinematográfica que permita a los nuevos realizadores conocer sus límites para evitar ladrar más de lo que se muerde: llegado el momento, y tal como demuestra esta supuesta fábula canina, acabas con los dientes destrozados.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2Uxp4jm5ftTlkmfhrSjqKQ7dT1URl69mVdyK_0N1BRnAMoBpHcSSNf4Ubqzshy_8PTIn-gyDIw0FgX1nwMod7tpeAjyM_sC-H9LAnQIJmcz2ZhRcBELrwsvYYyw9ZjEpZO6Zb3KJ8nVHv/s1600/johndies.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2Uxp4jm5ftTlkmfhrSjqKQ7dT1URl69mVdyK_0N1BRnAMoBpHcSSNf4Ubqzshy_8PTIn-gyDIw0FgX1nwMod7tpeAjyM_sC-H9LAnQIJmcz2ZhRcBELrwsvYYyw9ZjEpZO6Zb3KJ8nVHv/s200/johndies.jpg" width="133" /></a></div>
Con Don Coscarelli siempre he mantenido una relación amor-odio: por una parte algunos apuntes en la saga <b>Phantasma</b>, pero sobre todo películas más "convencionales" tales como <b>Survival Quest</b> (1988) o <b>The Beastmaster</b> (1982); por la otra, cuando se ve imbuido por su propia condescendencia freak en inserta productos como <b>Bubba-Ho Tep</b> (2002) en los que se conforma única y exclusivamente con el propio concepto bizarro y referencial. Por fortuna, <b>John Dies at the End </b>(2012) pasa por ser la más inclasificable y veleta de toda su filmografía, material que le permite realizar algunas piruetas como director que hacía años hubieran sido impensables. Partiendo de la igualmente inclasficable novela del pseudónimo David Wong (detalle importante a la hora de afrontarla), el veterano realizador va descubriendo una suerte de realidades subyacentes en contextos juveniles, más virada a los cómics de Grant Morrison (en especial su <b>Doom Patrol</b>) que a la excesiva formalidad de otras distopías paranoicas, donde incluso se puede entrever algunas rendijas de la cultura occidental a la hora de asumir influencias externas. O todo de esto no existe, porque si por algo destaca es por crear un estado perenne de perplejidad más digna del punk que de cualquier planteamiento sobre la realidad misma. Epílogo: Una de mis películas favoritas se trata de <b>Repo Man </b>(Alex Cox, 1984). Una de mis películas más odiadas se trata de <b>Repo Man </b>(Alex Cox, 1984). En cada visionado pongo en juego la fortuna del film. Lejos de romper el círculo, estoy agradecido de que exista. <b>John Dies at the End</b> va camino de desbancarla.M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-56382558925758909452013-03-08T12:23:00.000+01:002013-03-11T11:01:52.958+01:0010 Muestra SyFy, día 1: Con toda franqueza...<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwKsYKuPFl851NmNqcNejTMNQuqAdeLM6Oo2qukz6em8-c9bAi7AQr8ImUZOwSHG5eNbckbyys3SkCL4pZS8F1paN4_d2lOMZ-qdbKf0iWEvdI2Iuj3rvSmTSqqZwT37Dvv9d7OKDkMEya/s1600/oz.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwKsYKuPFl851NmNqcNejTMNQuqAdeLM6Oo2qukz6em8-c9bAi7AQr8ImUZOwSHG5eNbckbyys3SkCL4pZS8F1paN4_d2lOMZ-qdbKf0iWEvdI2Iuj3rvSmTSqqZwT37Dvv9d7OKDkMEya/s200/oz.jpg" width="133" /></a></div>
...el único contacto con el mundo de Oz del que puede presumir quien suscribe va pasando por: Primero, todas las referencias que salpican la cultura popular, sobre todo en una serie como <b>The Simpsons</b>; segundo: el tenue recuerdo de lo que, en mi infancia, creía que se trataba del film de 1939, cuando en realidad es un amalgama de imágenes clavadas en el subconsciente que mezcla la original con su secuela apócrifa, <b>Return to Oz</b> (Walter Munch, 1985). Una suerte de niebla mental que carece de cohesión, de tiempos donde el cine se trataba de algo más tranquilo, menos analítico y, sobre todo, mucho más impresionable.<br />
<br />
Por ello, como profano de la mitología creada alrededor de la obra de L. Frank Braum, decidí no ampliar horizontes antes de abordar una película como <b>Oz: The Great and Powerful</b> (Sam Raimi, 2013) y no tener mucha más base que la reminiscencia infantil antes citada, que pasa por ser uno de los elementos más intrínsecamente tétricos que recuerdo. Como mundo fantástico, Oz parece extraño e impostado, deliberadamente impostado, plagado de metáforas y retórica nada alejada de fábulas a priori más oscuras; esa sensación de estar ante un fabulante que, a través de sus personajes principales, intenta alejar de la oscuridad al espectador a costa de inducir el miedo justo para no terminar alertándolo.<br />
<br />
Toda fábula se sustenta en la farsa; por lo tanto, todo fabulante es un farsante. La charlatanería de James Franco, que se ve realmente beneficiada del increíble carisma y buen hacer del actor, contribuye a esta línea donde el relato está manejado por las maquinaciones de quien presume de poder y no lo tiene. De escasa sutileza, pero presente, el concepto de mago de barraca ante un mundo sustentado por la magia real da resultado a una interesantísima reflexión sobre el poder del relato mismo; en realidad, de todos los relatos. Lo que en un principio resultaría achacable a una desmitifación de la magia, como sucede en otras revisiones de relatos clásicos, en realidad se convierte en una exaltación del poder real y tangible del acto de narrar, apoyado en su condición del viaje iniciático de un personaje plenamente instaurado en el colectivo como ejemplo de catalizador de valores instrínsecos a la condición humana.<br />
<br />
Quizás por ello el mundo de Oz ha perdido parte de ese carácter siniestro que, como aclaraba antes, no tiene un fundamento más racional que el que pudo tener hace veinte años, y que colinda a la obra de Raimi con similares connotaciones. Y por ello no puedo dejar de estar agradecido que mi idea sobre el mundo de Oz sea una farsa propia, fundamentada en el recuerdo nada banal de monos voladores y un technicolor donde el verde esperanza se torna en terrorífico: un lugar donde todo lo bucólico se vuelve oscuro y donde, como siempre sucede, la farsa termina tomando la delantera a la magia. Para suerte de todos.M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-55620928993001921122012-12-12T16:20:00.001+01:002012-12-13T17:01:29.406+01:00El videodromo(III)<br />
<b>Sorcerer(carga maldita)</b> de William Friedkin<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://farm4.static.flickr.com/3334/3480884528_73f03e3067.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://farm4.static.flickr.com/3334/3480884528_73f03e3067.jpg" width="210" /></a></div>
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<br />
La primera película de Friedkin tras el exorcista fue el remake de la obra maestra francesa ''el salario del miedo'' de Clouzot. Gran parte de la trama ocurre en un pueblo perdido de Costa Rica donde 4 personas con vicisitudes muy diferentes deben transportar un material peligroso entre puentes ruinosos, fango y tormentas tropicales.<br />
<br />
Aunque el resultado final dista mucho de la obra que adapta, la pericia técnica del director justifica el visionado, con un estilo muy parecido al utilizado en French connection, tono muy realista y de gran fuerza visual(como la escena del puente), aunque arrastra el problema de que la productora metió mano en el montaje cortando muchas escenas lo cual lastra bastante la narración y su profundidad, aún así es una película intensa, donde se plasma el miedo, el cansancio y sufrimiento de los personajes, con un buen reparto(sale incluso Paco Rabal en un personaje muy alejado de los que solía hacer habitualmente) y planos de gran calidad.<br />
<br />
Creo que se merece un mayor aprecio del que tuvo, algo habitual en la carrera de Friedkin(ya le ocurrió algo parecido con su excelente A la caza que recibió excelentes críticas en Cannes cuando volvió a proyectarse en un nuevo montaje).<br />
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<b>Le passage (Trayecto mortal)</b> de René Manzor<br />
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<a href="http://img412.imageshack.us/img412/6660/lepass.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://img412.imageshack.us/img412/6660/lepass.jpg" width="237" /></a></div>
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<br />
Drama francés bastante sombrío que combina el cuento infantil y la fantasía apocalíptica, aparte de ser una obra en cierto modo innovadora mezclando la animación y la imagen real, no de manera brillante pero si convincente.<br />
<br />
Alain Delon es el protagonista, co-guionista y productor del film, quizás por ello su interpretación está algo falta de fuerza ante tantas responsabilidades durante el rodaje aunque su talento y presencia le bastan para mantener a flote la situación.<br />
<br />
El guión es bastante curioso y original, centrado principalmente entre un padre dibujante de comics que está preparando una película, su hijo pequeño y la muerte como entidad que recurre al padre para que este le otorgue la posibilidad de destruir el mundo con una película sobre la violencia porque está harta y aburrida de su trabajo.<br />
Lo mejor para mí es la relación padre-hijo con escenas llenas de fuerza y sentimiento cuando ambos miran los rostros de cada uno(el hijo viendo un vídeo de su padre, el padre viendo un dibujo de su hijo), lo peor el montaje, deslabazado e inconexo, y algunos momentos un poco ridículos entre Delon y la muerte pero es una obra que plasma muy bien el amor entre un padre y su hijo por encima de todo.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGvOxI6gIXVeguFbkmB8EFsyA3_eZJmiHPp7o-74uBaDNygY6LyCmR2dpfvA8pCc8Vw7_L2M9T243rFh_MlDqFNTyfhxZlYWxsAIbdLisHCUeNoMvrN6IgKAALA3-3XyD6LmqhoZ5HykM/s400/a50.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="176" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGvOxI6gIXVeguFbkmB8EFsyA3_eZJmiHPp7o-74uBaDNygY6LyCmR2dpfvA8pCc8Vw7_L2M9T243rFh_MlDqFNTyfhxZlYWxsAIbdLisHCUeNoMvrN6IgKAALA3-3XyD6LmqhoZ5HykM/s320/a50.jpg" width="320" /></a></div>
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<a href="http://cdn-premiere.ladmedia.fr/var/premiere/storage/images/cinema/photos-film/photos-acteur/images/le-passage-1986__4/15392451-1-fre-FR/le_passage_1986_portrait_w858.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="208" src="http://cdn-premiere.ladmedia.fr/var/premiere/storage/images/cinema/photos-film/photos-acteur/images/le-passage-1986__4/15392451-1-fre-FR/le_passage_1986_portrait_w858.jpg" width="320" /></a></div>
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<b>The Pawnbroker (El prestamista)</b> de Sidney Lumet<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5CPApE2pp7-e46WZnmPnkoLttcTnjtR99_3anZFiTn3xm8snaCxK4ljemlhyphenhyphenOBNQ5elemYLzpB_DkTGDJ495AAOyx5eH3j8jqokXB_2m57id1FXwD-Bp6D4uUejr4mAOfwCk5OvGIxYw/s1600/El+prestamista.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5CPApE2pp7-e46WZnmPnkoLttcTnjtR99_3anZFiTn3xm8snaCxK4ljemlhyphenhyphenOBNQ5elemYLzpB_DkTGDJ495AAOyx5eH3j8jqokXB_2m57id1FXwD-Bp6D4uUejr4mAOfwCk5OvGIxYw/s320/El+prestamista.jpg" width="206" /></a></div>
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<br />
Una obra que trata el stress post-traumático de una manera brutal a través de los ojos de un judío que sobrevivió al Holocausto y regenta una tienda de préstamos.<br />
Sus vivencias a través de flashbacks, su pasotísmo, frialdad e indiferencia ante las personas y el entorno que le rodea definen al personaje de Rod Steiger que ofrece una interpretación mastodóntica e inolvidable.<br />
<br />
Lumet se acompaña de un guión carbonizado y vacío de sentimentalismos como el corazón del protagonista y una amplia versatilidad de movimientos de la cámara con primeros planos y recorridos amplios sobre su persona para acentuar la sensación de angustia y pesadumbre.<br />
El contrapunto lo pone una banda sonora jazzística dirigida por Quincy Jones que aparece con fuerza en el tramo final de manera desaforada y en cierto modo alegre para dejar la duda de si el protagonista vuelve a recobrar la fuerza y el deseo por vivir.<br />
<br />
Lo peor aunque no necesariamente malo, podría definirse como ante tal centralización sobre el protagonista el resto quede algo desdibujado y simplificado y la puesta en escena parece algo mundana pero recrea bien el Harlem empobrecido y peligroso sometido por explotadores de la época de los 60.<br />
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<br />
<b>10 Rillington place(el estrangulador de Rillington place)</b> de Richard Fleischer<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.movieswala.com/resource/movies/10-rillington-place-1971.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://www.movieswala.com/resource/movies/10-rillington-place-1971.jpg" width="216" /></a></div>
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<br />
Tras el estrangulador de Boston, Fleischer volvió a abordar la historia de un asesino en serie, en este caso la historia de John Christie, que ocultaba a sus victimas en el jardín de su casa y las violaba mientras las estrangulaba(y posteriormente).<br />
<br />
Mientras la anterior entraba en el género más policiaco, en esta vemos la manera de actuar del criminal y su personalidad más profundamente(todo muy estudiado previamente utilizando los archivos sobre el caso disponibles), un mentiroso compulsivo que manipulaba no sólo su vida sino los que le rodeaban.<br />
Excelente su presentación con la taza de té y sus educadas maneras, que acaba siendo parte de su modus operandi, rodado todo con excelsa naturalidad y parsimonia, lo cual le otorgaba un grado de repulsión extra a lo que sucedía posteriormente.<br />
<br />
Inmenso el reparto, obviamente encabezado por Attenborough que hace un trabajo titánico por mostrar de la mejor manera posible la mezquindad y maldad del personaje pero sin excesos físicos ni manierismos. No se queda atrás la labor de John Hurt, marioneta del asesino y cabeza de turco durante años, magnificos los gestos de incredulidad e inocencia en su rostro, totalmente superado por las circunstancias.<br />
<br />
A destacar también el buen trabajo de Fleischer con los fuera de campo y la puesta en escena, con esa escalera y esas habitaciones tan lúgubres(tremenda la escena cuando Christie, cuerda en mano, sube por la escalera para matar a la niña pequeña).<br />
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<br />
<br />the deer hunterhttp://www.blogger.com/profile/14938386914061075069noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-35391471493789966242012-09-18T18:16:00.001+02:002012-09-27T17:45:20.622+02:00El videodromo (II)<br />
<b>Hardcore, un mundo oculto</b> de Paul Schrader<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://pictures2.todocoleccion.net/tc/2008/11/18/10799467.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://pictures2.todocoleccion.net/tc/2008/11/18/10799467.jpg" width="234" /></a></div>
<br />
<br />
Un padre, tras desaparecer su hija, descubre que participa en películas porno; posteriormente trata de encontrarla y se mete de lleno en un universo totalmente desconocido que le cambia para siempre.<br />
Buen retrato de la América de familia perfecta enfrentada a la creciente ola del mercado pornográfico que el país vivió en los 70, y donde la mentalidad puritana de aquellos tiempos se enfrentó a un mundo sórdido, repulsivo y moralmente reprobable para aquellas mentes.<br />
<br />
Prácticamente se podría definir como la segunda parte de <b>Taxi driver </b>tanto a nivel ambiental como fotográficamente; normal, viendo quien está en la dirección. No alcanza la excelencia de la película de Scorcese pero sabe manejar con fuerza y un ritmo adecuado el tipo de relato en el que se mueve, repleto de pesimismo, urbes sucias, personajes indeseables y personas que pierden su identidad.<br />
<br />
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<b>Pontypool</b> de Bruce McDonald<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.rowthree.com/wp-content/uploads/2009/01/pontypool_one-sheet.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://www.rowthree.com/wp-content/uploads/2009/01/pontypool_one-sheet.jpg" width="218" /></a></div>
<br />
<br />
Con una escenografía casi teatral y ampliamente reducida con escasos medios se crea una obra repleta de tensión, angustia e incertidumbre. FUNDAMENTAL verla en versión original para disfrutar de la portentosa interpretación de Stephen McHattie. Una más que agradable sorpresa entre tanta superficialidad y repetición de esquemas. Supuestamente habrá una secuela en 2013.<br />
<br />
<br />
<b>Shock(suspense)</b> de Mario Bava<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9RPd5RmdJ5OawElJpUlKaEqPTEa5ZtnldMDgNsFWrv2gPFXkelWONxZ-Rv0pwGSn2fUBPGXKiJEgIJMR9qistgPP8hg_qsGdOshBA7scfVF9yyLVyPRisSlruDlsPuh-Jy8V45_M9hV3o/s1600/shock.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9RPd5RmdJ5OawElJpUlKaEqPTEa5ZtnldMDgNsFWrv2gPFXkelWONxZ-Rv0pwGSn2fUBPGXKiJEgIJMR9qistgPP8hg_qsGdOshBA7scfVF9yyLVyPRisSlruDlsPuh-Jy8V45_M9hV3o/s320/shock.jpg" width="230" /></a></div>
<br />
<br />
Último trabajo en celuloide del maestro del terror europeo acompañado por su hijo Lamberto (posteriormente hizo un trabajo para tv). Es un trabajo irregular con la clásica atmósfera opresiva, malsana y con planos inquietantes que ha caracterizado la carrera del director pero en esta ocasión el guión posee algunas lagunas o momentos risibles (el momento del cutter volador me parece de lo peor) que desvirtúan el trabajo global, normal estando un inútil como Lamberto rondando en la escritura.<br />
<br />
A pesar de ello hay que destacar el esfuerzo interpretativo de la protagonista y su evolutivo paso hacia la locura creada tanto por la casa como el comportamiento de su hijo pequeño, donde incluso Mario roza el elemento incestuoso entre madre e hijo.<br />
<br />
La película se apunta a la moda de las bandas sonoras de música progresiva y oscura de la época, en este caso dirigida por el grupo Libra que es demasiado deudora de Goblin(aunque algo más esquizo), aún así cumple en apoyar las escenas más inquietantes.<br />
<br />
No es una película a la altura de mis favoritas (Operazione Paura, La Máscara del Demonio, Las 3 caras del Miedo) pero posee una fuerza vital estimulante y con un sabio uso de los espacios cerrados y los tiempos muertos para atemorizar al espectador, así como la relación entre madre e hijo y los cambios de comportamiento de éste; lo peor, la austeridad visual que destila (se nota que no pudo estar realmente tras la cámara y estar simplemente asesorando), la irregularidad del montaje y el guión.<br />
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Aún así, una despedida digna y con buenos momentos por parte de un director legendario.<br />
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<br />
<b>El hombre ilustrado</b> de Jack Smight<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.quo.es/var/quo/storage/images/ciencia/hombre/las_peliculas_de_ray_bradbury/illustrated_man/603671-1-esl-ES/illustrated_man_galeriaApaisada.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="246" src="http://www.quo.es/var/quo/storage/images/ciencia/hombre/las_peliculas_de_ray_bradbury/illustrated_man/603671-1-esl-ES/illustrated_man_galeriaApaisada.jpg" width="320" /></a></div>
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<br />
Buena película que adapta el mítico libro de relatos de Ray Bradbury, aunque en el film sólo aparezcan 3 de ellos, en este caso los enfocados puramente a la ciencia ficción (hay otros ligeramente más orientados al terror), y que analizan la naturaleza humana y su relación con la tecnología. Es una película de estética muy luminosa, muy estilo Robert Mulligan con paisajes muy cálidos y colores vivos, no es una maravilla pero el trabajo visual me parece bastante correcto.<br />
<br />
La fortaleza cinematográfica reside en la excelente interpretación de su protagonista, Rod Steiger, que se come la pantalla como el hombre lleno de ilustraciones en su cuerpo, y que busca a la mujer que se los hizo para vengarse ya que lo considera una maldición, mientras narra a un joven viajante en la época de la gran depresión, su historia y las historias que contiene su cuerpo a su vez.<br />
<br />
Quizás la adaptación no sea del todo acertada y que el estilo de Bradbury no sea muy cinematográfico pero aún así es una obra cuidada y que no aburre en ningún momento. Las historias pueden adolecer de ser algo previsibles y de escaso peso dramático pero se compensan con el trabajo de Steiger.<br />
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<br />
<b>El héroe anda suelto</b> de Peter Bogdanovich<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://horrornews.net/wp-content/uploads/2011/10/Targets-poster-1-327x500.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://horrornews.net/wp-content/uploads/2011/10/Targets-poster-1-327x500.jpg" width="209" /></a></div>
<br />
<br />
Enorme thriller, sencillamente brutal, el testamento de una leyenda llamada Boris Karloff. Escalofriante la frialdad y la naturalidad con la que Bogdanovich nos muestra al asesino de masas que aparece paralelamente en el relato, quien a pesar de sus actos no pierde ese aspecto angelical que le caracteriza.<br />
<br />
Aparte en la obra de Bogdanovich se nos transmite la disyuntiva de la violencia en la realidad y el cine, y donde un actor de terror ya no se ve capaz de transmitir miedo a los espectadores porque la realidad supera claramente la ficción. Se podría decir que es cine dentro del cine y un poco la manera de Karloff de verse a si mismo en su ocaso. Magnifica.the deer hunterhttp://www.blogger.com/profile/14938386914061075069noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-87679464409342199352012-08-06T20:36:00.000+02:002012-08-07T12:27:22.410+02:00El Videodromo<span style="font-family: inherit;"><b>The Quiet Earth </b>de Geoff Murphy</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQ4yNkI3TY8CcsnvjyvLcMwwi47O0WrYqwW2g_vgga7j7cclnAZwEfbc_RTmXQkZNWil1DIHDZpbk7GyCBBoXDPqLgz5eFmZTeNhrYPBQq_mKsPqRKZIcx-va1X9be4uedmDRJOxka7MZH/s1600/Quiet+Earth.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: inherit;"><img border="0" height="432" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQ4yNkI3TY8CcsnvjyvLcMwwi47O0WrYqwW2g_vgga7j7cclnAZwEfbc_RTmXQkZNWil1DIHDZpbk7GyCBBoXDPqLgz5eFmZTeNhrYPBQq_mKsPqRKZIcx-va1X9be4uedmDRJOxka7MZH/s1600/Quiet+Earth.jpg" width="538" /></span></a></div>
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;">Notable obra neozelandesa de ciencia ficción apocalíptica que se podría definir casi como un cruce de <a href="http://www.imdb.com/title/tt0480249/"><b>Soy leyenda </b></a>y <a href="http://www.imdb.com/title/tt0390384/"><b>Primer</b></a>, no en el sentido estricto, pero sí en el concepto global.</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;">La primera media hora creo que está excelentemente desarrollado el aislamiento y soledad del protagonista, alcanzando cotas no vistas en otras obras tanto de paranoia como locura. Desgraciadamente, la trama evoluciona hacia parámetros menos interesantes y dando excesivas respuestas explicativas hasta su tramo final, que vuelve a crecer hasta terminar con el clásico plano impactante del cual sacar varias teorías.</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;">A destacar, a pesar del escaso presupuesto (1 millón de dólares), el diseño de producción y el buen uso de los escenarios y la música para crear un suspense de calidad. Lo peor, el poco nivel de los actores, que a pesar de que no afecta en exceso si se echa en falta mejores interpretaciones y carisma. El primer plano del film, por cierto, recuerda mucho a Danny Boyle.</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
<span style="font-family: inherit;">Una obra muy estimable, recomendable y con un primer tramo excelente.
Decir que Geoff Murphy ha hecho películas posteriores como <b><a href="http://www.imdb.com/title/tt0104299/">Freejack (sin identidad)</a></b> o <a href="http://www.imdb.com/title/tt0100994/"><b>Young Guns 2</b></a> (la de Kiefer Sutherland) y como director de segunda unidad en el Señor de los anillos de Peter Jackson.
</span><br />
<span style="font-family: inherit;"><br /></span>
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<b>Harlequin </b>de Simon Wincer<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.moviemem.com/images/pictures/store/YUGOSLAV%20POSTERS/HARLEQUINYUGO.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://www.moviemem.com/images/pictures/store/YUGOSLAV%20POSTERS/HARLEQUINYUGO.jpg" width="226" /></a></div>
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Interesante thriller fantástico donde un misterioso mago se adentra en la vida de la familia de un político para salvar la leucemia del hijo y para algo más...<br />
<br />
Película que continúa el sendero de la fantasía australiana iniciada con <b><a href="http://www.imdb.com/title/tt0076299/">La última ola</a></b>, aunque en esta ocasión con un tono más desenfadado y menos onírico aunque manteniendo una ligera complejidad narrativa. Visualmente es algo pobre, pero se sustenta gracias a la arrebatadora personalidad del protagonista encarnado por un solvente Robert Powell (el <b><a href="http://www.imdb.com/title/tt0075520/">Jesús de Nazareth </a></b>de Zeffirelli).<br />
<br />
La obra guarda en cierto modo relación con la historia de Rasputín y la influencia que ejercía sobre el zar ruso Nicolás II, todo esto llevado a un entorno político moderno. Como ya digo, es interesante y con un tono de misterio que engancha a pesar de cierta vulgaridad en los planos y algún efecto casposo.<br />
La carrera posterior del director poco o nada se acerca a lo mostrado en este film, quedando como un trabajo aislado.<br />
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<b>El grito </b>de Jerzy Skolimowski<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.magcine.valladolidweb.es/carteles/E/images/EL%20GRITO%20-%20The%20Shout%20-%201978.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="http://www.magcine.valladolidweb.es/carteles/E/images/EL%20GRITO%20-%20The%20Shout%20-%201978.jpg" width="216" /></a></div>
<b><br /></b>
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El thriller terrorífico como punto de unión del cine de arte y ensayo, una película sórdida y diferente, repleta de esoterismo y una excelente puesta en escena, con un Alan Bates impresionante, lleno de carisma y maldad.<br />
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Aunque he nombrado el thriller de terror como punto de identificación de la obra, es una película difícil de catalogar de primeras; el punto de esoterismo la une mucho con Weir y el psiquiátrico donde se inicia la trama con <b><a href="http://www.imdb.com/title/tt0073486/">Alguien Voló Sobre el Nido del Cuco</a></b> aunque la conexión sea muy sibilina.<br />
<br />
Acompañando a Alan Bates encontramos actores británicos de gran calidad como John Hurt, Jim Broadbent, Tim Curry y Susannah York. Los diálogos están acorde a la extrañeza del relato, muy cortantes y espesos a su vez pero con planos largos de gran belleza destacando obviamente el momento del ''grito''.<br />
<br />
Junto a <a href="http://www.imdb.com/title/tt0066122/"><b>Deep End </b></a>y <b><a href="http://www.imdb.com/title/tt0061605/">Le Départ</a></b>, de lo mejor de la carrera del director polaco.<br />
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<span style="background-color: #f6f8f8; font-family: arial; font-size: 13px;"><br /></span>the deer hunterhttp://www.blogger.com/profile/14938386914061075069noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-23611966759024646162012-05-25T01:01:00.001+02:002012-05-25T01:01:21.743+02:00Randy time!<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwlwZVj6RB6QAOD0_4pzOn7x1p2VoqLfzWZDWZuUJCGZLMhIkTBMlwfSk228ZcIg67ZNIO8Nupgcy4OZy75zJhRtwdKJvOLmBLzEiPfBOnOmh0erKJaUSn-LnjeW1qAyr4aSjTz9-97-Jt/s1600/628x471.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwlwZVj6RB6QAOD0_4pzOn7x1p2VoqLfzWZDWZuUJCGZLMhIkTBMlwfSk228ZcIg67ZNIO8Nupgcy4OZy75zJhRtwdKJvOLmBLzEiPfBOnOmh0erKJaUSn-LnjeW1qAyr4aSjTz9-97-Jt/s320/628x471.jpg" width="210" /></a></div>
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<br />M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-17788083366275452152012-03-13T00:34:00.005+01:002012-03-13T01:39:10.112+01:009 Muestra SyFy, días 3 y 4: El funeral del sustoDebo sentir de un comienzo la tardanza por las siguientes crónicas, tardanza derivada de circunstancias de causa mayor tales como que no me apetecía una mierda escribirlas. A su vez, también debo disculparme por no cubrir todas las películas del festival, habiéndome saltado <b>The Prodigies 3D</b> (Antoine Charreyron, 2011), <b>Atrocious </b>( Fernando Barreda Luna, 2010) y <b>Apollo 18 </b>(Gonzalo López-Gallego, 2011) ante la promesa de invertir mejor el tiempo entre cenas y amistades. Pero de igual manera que son pocos los que leen este blog y que no debo rendir cuentas a nadie, invito al presente (de haberlo) a que obvie este párrafo en toda su extensión.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwitre_YoOJDZAZdTSBV7jlYSAMWXxl3KxN8mLlmM1bwdlymvx4mZZ-v-Kz48XjIXqa638N9FQIV3NSgbleyDmrNFj0WJFCNjwBH8aFoaddc1Sm08Tyu_ZQ66oJHnZXEajP5WrtTK1u4op/s1600/thewoman.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwitre_YoOJDZAZdTSBV7jlYSAMWXxl3KxN8mLlmM1bwdlymvx4mZZ-v-Kz48XjIXqa638N9FQIV3NSgbleyDmrNFj0WJFCNjwBH8aFoaddc1Sm08Tyu_ZQ66oJHnZXEajP5WrtTK1u4op/s200/thewoman.jpg" width="133" /></a></div> La jornada del sábado, que suele ser la jornada de la carnaza en todas las muestras a las que he asistido, reservaba dos films de interés por los nombres tras ellos: Lucky McKee, uno de los realizadores de terror más interesantes de la última década (y van...) y Abel Ferrara, un alma en pena perdida en su propia autocomplaciencia nihilista. El primero brinda con <b>The Woman</b> (2011) un auténtico paseo por las miserias de la civilización occidental con pulso de cirujano, adaptando el material del ahora idolatrado Jack Ketchum con una progresión digna del más experimentado realizador del horror.<br />
De primeras, el planteamiento de "terror feminista" resulta un encasillamiento atroz, en tanto la película consigue acaparar un espectro de bajezas humanas poco usual en el género a estas alturas; sin embargo, se ajusta perfectamente a la definición en tanto la figura del padre represor, de buena planta, humor y carisma (ídolo de su hijo o, al menos, pastor de su oveja) condiciona al resto de personajes femeninos sin cortapisas, sin moralinas; simple y llanamente una fuerza autoproclamada que primero las humilla, por segundo las somete, con ello las enfrenta y, por ende, las provoca para su particular cruzada. Todo el tramo final es un auténtico despliegue de metáforas sobre la transformación (que no destrucción) del núcleo familiar, siempre supeditado a figuras superiores, y el extraño y hermoso plano final resulta más revelador que cualquier proclama rancia y conservadora sobre familias modernas (sí, estoy pensando en cierta serie de televisión). <br />
McKee borda la función con su estilo directo y lírico, atrevido por momentos, siempre ajustado a las exigencias del guión; el uso del sonido de forma visceral, induciendo a la tortura, o de la arriesgadísima banda sonora que podría rozar el videoclip pero que, con sapiencia, economiza en las escenas más truculentas y emocionantes de la película hace de él un director que, película a película, demuestra una madurez estilística y temática pocas veces vista en estos tiempos.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvs4sLY75mlXLjmufFAoeWBi-bo139x6vT6xI2Ert4j9DsXWbw6WmGmVA1ZBE3Hv781V4mgJfSNHBPRFt1vA0f9IPCe7xkxku14sIVdA6pAg9FH-KzPlIFcX-soOiwYSVgYky2uIzYtt0i/s1600/lastday.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvs4sLY75mlXLjmufFAoeWBi-bo139x6vT6xI2Ert4j9DsXWbw6WmGmVA1ZBE3Hv781V4mgJfSNHBPRFt1vA0f9IPCe7xkxku14sIVdA6pAg9FH-KzPlIFcX-soOiwYSVgYky2uIzYtt0i/s200/lastday.jpg" width="133" /></a></div>Ferrara, sin embargo,decide aguar el buen gusto con su personal promocional de Apple (dos portátiles, dos iPhone, un iPad... ¡títulos de crédito con la estética de Apple!); <b>4:44 Last Day on Earth</b> (2011) entra en esa categoría de Ferrara posterior a<b> The Funeral</b> (1996), donde todas sus películas son palos de ciego con algún que otro ramalazo interesante, pero de un nivel y falta de interés indigno del realizador de<a href="http://casaputas.blogspot.com/2008/01/abel-ferrara-king-of-new-york-confesin.html"><b> King of New York</b> </a>(1990) o <a href="http://casaputas.blogspot.com/2008/04/abel-ferrara-teniente-corrupto-perdneme.html"><b>Bad Lieutenant</b> </a>(1992). Lo que en sus obras era un Nueva York salvaje y vivo, ha ido transformándose paulatinamente en un lugar repelente, de artisteo barato e ínfulas grandilocuentes, con el cáriz de lástima que provoca vislumbrar el círculo hermético y autocomplaciente en el que se ha asentado y desde donde sus obras maestras no son más que un buen recuerdo.<br />
El lamento es mayor en tanto uno se para a pensar en el leitmotiv de la película bajo el prisma de los buenos años del realizador, y el juego que hubiera dado su visión pesimista y compleja sobre los personajes ante la idea del fin del mundo. A falta de suerte, Ferrara se queda en tierra de nadie en un mundo donde los únicos referentes de su fin son el exceso de información, más pecado donde cae que concepto extrapolado; en unos collages visuales banales , impersonales, de reminiscencias de un videoarte absolutamente desfasado (del tipo que ya nace desfasado, diría). Con todo, hay momentos en los que se deja entrever (escenas de charlas comunes, un soliloquio desesperado) que no todo estaría perdido de no ser por el propio anquilosamiento del autor. Al menos sus películas con Asia Argento mostraban pechos más grandes.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6ArUTndI2ySqgFJ6sURaIgFjlmMi2LX9hX44bp5NDGczkMgAtSO0wUBpnq4kZQir-XcAtiwaJCPKe1tp5GOZDTkjy5ZVlBrj1yDfQJDskrxd9lZgGymgPim_xdMReSL0l2IsDN09EWHXx/s1600/inn.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6ArUTndI2ySqgFJ6sURaIgFjlmMi2LX9hX44bp5NDGczkMgAtSO0wUBpnq4kZQir-XcAtiwaJCPKe1tp5GOZDTkjy5ZVlBrj1yDfQJDskrxd9lZgGymgPim_xdMReSL0l2IsDN09EWHXx/s1600/inn.jpg" /></a></div>Pasando a lo que sería la última jornada del festival, y obviando el <b>Phenomena</b> que decidí perderme, la llegada de <b>The Innkeepers </b>(Ti West, 2011) suponía una de mis mayores esperanzas dentro de la muestra, más por comentarios ajenos sobre la obra de su autor y las ganas de saciar mi curiosidad sobre ellos. Con total fortuna el joven realizador crea una película sencilla e intimista sobre dos personajes perfectamente reconocibles, en base a la clásica historia de fantasmas tratada desde el punto de vista del fan de estos fenómenos. Lejos de mostrar al típico papanatas de curiosidad grimosa, el guión de West planta a ambos en una posición ligeramente escéptica, más pendientes del pasar el rato en un trabajo aburrido que de la búsqueda de resultados, y donde las primeras apariciones de fenómenos van desvelando los intereses de cada uno. De una forma natural y creíble somos cómplices de esos intereses, de las motivaciones del joven abocado a un trabajo alienante y donde las espectativas de futuro pasan por remover el pasado sin conocer bien sus consecuencias. Todo envuelto de una factura implecable, con buen pulso sobre el ritmo que exige el género (incluido algún acto de chulería para con el espectador) y el maravilloso juego consistente en obviar el susto para recoger la reacción del mismo; que el momento más terrorífico de toda la película no sea enseñado suma puntos, y aunque no resulte nuevo sí que recalca los intereses de un realizador que puede dar mucha guerra con tales ideas. Si creen que me paso diciendo que se trata de <i>terror clásico costumbrista</i>, por favor, hagánmelo saber.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgD0SNkEYgOhdnpE3al_7FPSHXG3sPJdkqNJ2yV38MOyWZIqUYsB1XN3TbpHUso2cZ45e-0aIpZY2_PxUc4ms9pIGTID8zwBnB6l6QxSasKRgBAELXnRKTyULRocEmqjijLHlpdyafDgNba/s1600/lobos.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgD0SNkEYgOhdnpE3al_7FPSHXG3sPJdkqNJ2yV38MOyWZIqUYsB1XN3TbpHUso2cZ45e-0aIpZY2_PxUc4ms9pIGTID8zwBnB6l6QxSasKRgBAELXnRKTyULRocEmqjijLHlpdyafDgNba/s1600/lobos.jpg" /></a>Un domingo a las 23:00 se presta a una película tranquila y sosegada, que vaya reduciendo el ritmo y frene la muestra sin estridencias: no parece ser la idea compartida por los organizadores, ya que <b>Lobos de Arga</b> (Juan Martínez Moreno, 2011) estaría mucho mejor colocada en una sesión golfa de madrugada de sábado. Sorpresa personal del festival, el director de la muy estimable <b>Dos Tipos Duros</b> (2003) ofrece una comedia simpática, perfecta para ver en compañía, respetuosa con el género del modo que las gastábamos por aquí hace bastantes años. Quizás los localismos rurales-gallegos jueguen fácil a su favor, o quizás que mis espectativas estaban tan bajas ante un reparto con Secun de la Rosa presente (actor del que entiendo el 50% de lo que dice, y de ese porcentaje le veré sentido a la mitad) y un cartel abominable, pero debería estar ya bastante curtido ante esos detalles como para tener que sorprenderme cada vez que encuentro una película que supera tan superficiales escollos. Todo el film respira del buen cine barato, una cierta idea de currarse los límites, y aunque de vez en cuando se precipite en escenas gastando todos sus recursos y dejando yermas otras tantas, en su conjunto resulta un estimable film que seguramente no corra tanta suerte ante el público objetivo. Recalcar la siempre genial presencia de Manuel Manquiña, que por lo menos a un servidor supone pensar en el clásico "todas putas, aunque lo piense" en cuanto la película mete un bajón; un ejercicio de abstracción que me ha salvado en muchas ocasiones.<br />
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Dada por finalizada la muestra, recalcar la mejora en cuanto proyección en los Cines Callao, pero también apuntar incoherencias tales como contar con pase de prensa y no permitir fotografiar el interior de la sala; la insistencia ciega de algún acomodador con la mala gestión de las colas... y, por supuesto y queja de los más mitómanos (que no comparto), el fin de la era Palafox. Por mí que se queden aquí. Eso sí: con más asiático, por favor.M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-41440419872482866122012-03-10T14:43:00.004+01:002012-03-10T17:10:24.885+01:009 Muestra SyFy, día 2: El infierno es un lugar coloridoLa predisposición asumida por el hecho de que la muestra presuma de ser "el ciclo del fin del mundo" me pesa, me pesa bastante; el género apocalíptico siempre me carga de seguidas si no me dan un tiempo prudencial, porque en teoría te están hablando de lo más gordo que nos puede pasar y, si me dan otra perspectiva del asunto cuarto de hora después, se pisan intereses en mi criterio. Toda esta neura personal se acentua en cuanto una de las películas mostradas está claramente doblegada a sus influencias y, lo peor de todo, a sus ínfulas de relevancia. La sombra de <b>The Walking Dead </b>y de <b>The Road </b>es amplia, y como toda influencia con un buen tratamiento de fondo, este se ve impulsado hacia superficie convirtiendo la supervivencia en algo rancio y, lo peor de todo, banal.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQ48yJBVj9nLuuzQef8YGgV3a_0pT2ThBXP4s3FJQ7LQbpFivhzN4o4d8bU85agfsztnrhWaRQT9n474HrQhARkZ8EU-TD83S-yZLKkT9EQIDSjIMx7z-u1_8yjJI6DdTGT0VFdvGVdIrm/s1600/hell.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQ48yJBVj9nLuuzQef8YGgV3a_0pT2ThBXP4s3FJQ7LQbpFivhzN4o4d8bU85agfsztnrhWaRQT9n474HrQhARkZ8EU-TD83S-yZLKkT9EQIDSjIMx7z-u1_8yjJI6DdTGT0VFdvGVdIrm/s200/hell.jpg" width="133" /></a> La primera de ellas, <b>Hell </b>(Tim Fehlbaum, 2011), producción de Roland Emmerich (el extrañamente proclamado "maestro de la catástrofe"), se distiende del tono del megalómano germano ante una historia pequeña, intimista y delimitada a cuatro personajes; un guión claramente mecánico y funcional, de ritmo dilatado en exceso y economizando la producción con lugares comunes, ténebres y baratos. Sin embargo, lo que en principio no dejaría de ser una película irrelevante, esconde a un realizador bien prestado a crear ambientes opresivos y sucios, a integrar a los personajes en beneficio a una percepción general de desolación y desesperanza, y que incluso los convencionalismos más chabacanos del género sabe manejar con una buena planificación visual. Aún con su frágil ritmo con predisposición al aburrimiento general, se trata de una película a medio gas de un realizador al que pienso seguirle la pista.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhndVVWd5lvf8rX1y1DXrmYTQoJD90QBP8afnMlAagiKh9XiskE3EKjNS4VlGPYMmPjDA1ZxLh42269v1-AMtjBIvFMPagDKOzKD7qeYXJldKtpQfZ5wqCipfH3v0bDv0ZDqmMmmQ8sJHCI/s1600/stake.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhndVVWd5lvf8rX1y1DXrmYTQoJD90QBP8afnMlAagiKh9XiskE3EKjNS4VlGPYMmPjDA1ZxLh42269v1-AMtjBIvFMPagDKOzKD7qeYXJldKtpQfZ5wqCipfH3v0bDv0ZDqmMmmQ8sJHCI/s200/stake.jpg" width="133" /></a></div> Quizás la más embebida por la obra de Kirkman es <b>Stake Land </b>(Jim Mickle, 2010), producción llegada con dos años de retraso pero que, como es habitual en la muestra, se asume como estreno ante la desidia nacional a la hora de traer material de fuera. Con toda probabilidad la más lírica, trabajada y menos interesante de ayer, y todo por un excesivo sentido estilístico derivado del ansia de mostrar influencias desde Mallick al terror más directo, creando un batiburrillo sin coherencia ante una historia bien hilvanada. Una lástima que tantas pretensiones (más dignas de un alumno recién salido de la escuela con demasiada manga ancha que de un realizador pendiente del guión) lastre lo que podría haber sido una gran road movie de vampiros zombificados, con una pareja protagonista deudora del chambara que realmente cae en gracia. Curioso fenómeno el de comprobar que, a medida que la historia se va a haciendo más interesante, la forma va hundiéndola. Una auténtica lástima donde el componente del fanatismo religioso hubiera dado una visión muy interesante sobre una sociedad desmembrada que solo cuenta con la promesa de un lugar mejor; no el lugar, si no la promesa. Lo dicho, una pena.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxLUmwyMEmufGp1o3FAuuYUCezsCXOla5AcxGwW256fR0DtPyG4HSadZMyMSpv9xOgd7iHpnVuM90xo6NhRUrAqKPVi7zqofwaMe0PRwOImtRDif8ea8QrDRh3yz9meUGMJGamgyOpkTAr/s1600/hobo.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxLUmwyMEmufGp1o3FAuuYUCezsCXOla5AcxGwW256fR0DtPyG4HSadZMyMSpv9xOgd7iHpnVuM90xo6NhRUrAqKPVi7zqofwaMe0PRwOImtRDif8ea8QrDRh3yz9meUGMJGamgyOpkTAr/s200/hobo.jpg" width="133" /></a></div> Por suerte y para rematar la jornada "oficiosa", el placer de disfrutar de nuevo de una de las mejores gamberradas de los últimos años: <b>Hobo with a Shotgun</b> (Jason Eisener, 2011), el derivado en largo de <a href="http://youtu.be/1LlazPgxKrA">aquel trailer </a>ganador de un concurso Grindhouse, y que pasa por ser la auténtica heredera del espíritu Troma, más que la continua y trasnochada aceptación de que todo lo que tiene grano viene de los setenta. Al igual que la película anterior recoge influencias con grandilocuencia, aquí lo que se respira es un respeto sumo a todo el cine basura de Kaufman, al giallo más chungo y, lo más jodido aún, a las risas malsanas que uno se echaba cuando veía esas maravillosas abominaciones en compañía. Por ello mismo agradecí quedarme a verla en comunidad aún habiéndola visto antes. La muerte de infantes de forma festiva, el desprecio al débil llevado hasta el paroxismo se disfrutan más rodeado de gente; todas las miserias humanas superando un límite donde solo la risa es la única salvación de una mente cuerda, y donde los bienpensantes se enorgullecen de serlo quedando como imbéciles a la hora de enfrentar su supuesta moralidad a los preceptos de la serie Z. Esa criba social a raíz de una película que solo la B, la Z y, en general, una mente libre de ataduras éticas ante la creatividad es capaz de hacer. Para más inri, Eisener y cía. se permite el lujo de unos diálogos profundos y desoladores sin que ello enfrente el colorista y paranoico mundo de ese transmuto de Tromaville que es la bautizada Fuck City, donde el infierno tiene tanta cabida como las ganas del espectador de mayores burradas. Y por lo más divino, una mención aparte para Rutger Hauer: que un actor con su carrera y su bagaje no solo se preste a una producción así, si no que además borde al personaje con la maestría de cualquier grande deja claro que estamos ante unos de los grandes actores de todos los tiempos, sin que se me caigan los anillos por decirlo. Por fortuna, y como suele pasar con este tipo de producciones, su trabajo será apreciado con una cercanía y honestidad que de otro modo no sería posible<br />
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¡Larga vida a la amoralidad en el creatividad!M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-47991095898431858442012-03-09T03:02:00.001+01:002012-03-09T10:01:10.777+01:009 Muestra SyFy, día 1: El olvidado lugar del héroe<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjECiBAnFHing826VD9MPRnZMcryaWGcbS6vmjbg9H4YWpAWKT0b6vEr4Fev4GPKLIP8nqTmi_mkPUP8Oktu1nz5WpqqJv77F2KJZVkJvchXLUrTIahEG13p-h58PvVDSqcBnsOKqwqXY59/s1600/carterfrom.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjECiBAnFHing826VD9MPRnZMcryaWGcbS6vmjbg9H4YWpAWKT0b6vEr4Fev4GPKLIP8nqTmi_mkPUP8Oktu1nz5WpqqJv77F2KJZVkJvchXLUrTIahEG13p-h58PvVDSqcBnsOKqwqXY59/s320/carterfrom.jpg" width="213" /></a></div>Cuando un proyecto se dilata tantísimo como lo ha hecho <b>John Carter</b> (Andrew Stanton, 2012) lo máximo que se puede esperar es un resultado tan manoseado que, en el momento de tocarlo, notas los dedazos de todos los involucrados sin poder encontrar una superficie donde poder coger; de igual manera, todo prejuicio y condicionamiento sobre lo que se mueve por detrás se ven potenciados, desvirtuando la perspectiva, prestándose a una suerte de cruzada personal contra la película si el material de base es apreciado.<br />
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Porque sobre la obra de Burroughs tengo que admitir una gran afinidad, no tanto por su calidad como por ese poso de años y años, el de una referencia aventuresca imperdurable que no cabe en razón alguna más que el puro goce de conceptos exóticos. El <i>sense of wonder </i>que quería evitar usar, pero que se ajusta perfectamente a lo que intento definir... y que el film de Stanton recoge a la perfección, destrozándome a medida que avanza el metraje cualquier atisbo de desconfianza que guardaba con total recelo. No se trata del solemne tostón con pretensiones profundas a la usanza de <b>Avatar</b> (James Cameron, 2009) ni de otros trasvases director animación-imagen real con mucho ruido y poco fuelle como <b>Las Crónicas de Narnia </b>(Andrew Adamson, 2005) que esperaba, si no de un auténtico despliegue de cariño por lo exótico, por ese espíritu pulp que exigía cada relato de Burroughs y que, a día de hoy, cuesta encontrar (o mejor dicho, encontrarlo apreciado). No sabría constatar si la mano de un amante de tales historias como Michael Chabon en el guión tendrá que ver; en cualquier caso, la película discurre cómoda entre lugares inhóspitos, entre el caballero andante y los esterotipos que le rodean.<br />
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Y todo se resume en dejar al espectador que se recoste, que no haga ningún esfuerzo en buscar trascendencia y que se deje llevar por lo cotidiano del fantástico. Mensajes más sencillos para épocas más turbulentas (la creación del héroe, la liberación del yugo), máquinas voladoras, intrigas palaciegas y saltos inverosímiles: el esfuerzo (que no debe ser esfuerzo) de la aceptación de un mundo que, en su vuelco cinematográfico, me resulta tan evocador y endiabladamente divertido como pasar otra página de una de esas historias que, lamentablemente, no parecen tener mucha cabida a día de hoy.<br />
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<span style="font-size: x-small;">*Detalle para todos los paranoicos que buscan antecedentes: Tengan a Traci Lords y Antonio Sabato Jr.: <a href="http://youtu.be/YO5RC-qeGqY">Princess of Mars</a></span>M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-20362159566002194982011-03-17T16:14:00.003+01:002011-03-17T17:28:01.622+01:00Cine Basura en Canal+ Xtra: "Veredicto Implacable"<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTsyXJC5itDu15oH9wyjv5mMwpyxSmWg-7A4WdC4FCmbJ_3WxuKDyQi3f9nuY1y8VnV-dmpxET8-02_ATs-MQuqehGbMYWZt1NIbVV9bVCTcSwOsHfEWg81nOl5cyp5ocRBbjyADW_OxOj/s1600/cinebasura.gif" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTsyXJC5itDu15oH9wyjv5mMwpyxSmWg-7A4WdC4FCmbJ_3WxuKDyQi3f9nuY1y8VnV-dmpxET8-02_ATs-MQuqehGbMYWZt1NIbVV9bVCTcSwOsHfEWg81nOl5cyp5ocRBbjyADW_OxOj/s200/cinebasura.gif" width="200" /></a></div>Si alguno de por aquí considera un plan de viernes quedarse en casa ante la infame oferta del exterior, o bien tiene una vida social lo suficientemente anodina como para que no compense ni siquiera asomarse al descansillo, existe un plan que se viene repitiendo desde hace un tiempo: disfrutar de una sesión de absoluta purriela cinematográfica comentada in situ por los insignes <a href="http://www.viruete.com/">Viruete</a>, <a href="http://vicisitudysordidez.blogspot.com/">Paco Fox</a> y un nuevo invitado, en este caso <a href="http://www.myspace.com/pedrotemboury">Pedro Temboury</a>, realizador responsable de <b>Kárate a Muerte en Torremolinos</b> y <b>Ellos Robaron la Picha de Hitler</b>, películas de las que doy buena cuenta <a href="http://casaputas.blogspot.com/2011/02/serie-z-patria-una-cutreflexion.html">en un post anterior</a> y, cuyo juicio, espero no me tengan muy en cuenta. <br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRVYBwjW2kt-6cSTVktCK2TV0UrZ_P6WMjjvKLdPDqzTZXCg1Z8JwHJn98og7N7znhYva7dGnMT2ebk_pu_YLBK9yXP2INElOI3DpbDxTE7uZLq18bfpY-R5xgOx8wknZX9YlqyCjQgq4_/s1600/veredicto+implacable.jpeg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRVYBwjW2kt-6cSTVktCK2TV0UrZ_P6WMjjvKLdPDqzTZXCg1Z8JwHJn98og7N7znhYva7dGnMT2ebk_pu_YLBK9yXP2INElOI3DpbDxTE7uZLq18bfpY-R5xgOx8wknZX9YlqyCjQgq4_/s320/veredicto+implacable.jpeg" width="225" /></a></div> <b><a href="http://www.canalplus.es/guia/ficha.html?tipo=E&id=956059">Cine Basura</a></b> (<a href="http://www.facebook.com/event.php?eid=186959421345484">página de facebook del evento</a>) nació con el ímpetu de abochornarnos ante auténticos subproductos merecederos del más absoluto escarnio, eso sí, con la sana capacidad de reírnos de ellos y de nosotros mismos por sentarnos a verlos. La cita es a las 22:45, viernes 18 de marzo, en tu receptor digital con el canal suscrito -claro que sí- o, como el resto de los mortales, en streaming desde este <a href="http://www.canalplus.es/Cine-Basura">link</a>. La nueva joya de la corona para esta semana es <a href="http://www.imdb.com/title/tt0094251/"><b>Veredicto Implacable</b></a> (1987), que así dicho parece un thriller jodido noventero, aunque se trate de la incursión de Mariano Ozores en el mundo de las artes marciales con el por aquel entonces campeón mundial de kárate José Manuel Egea. Lo único que conozco de la misma es este maravilloso cartel que no me deja mucho claro: Comienza con el tagline "Primero fue Bruce Lee, luego Chuck Norris y ahora llega..." para luego darte una retahíla de nombres mal maquetados: ¿quién es su sucesor? ¿Carlos Cascales? ¿Jesús Puente? ¿No sería la puta hostia, ver a Jesús Puente repartir amor en formato gualla? Si la película resulta igual de coherente como el cartel de maquetado, desde luego que cuenten conmigo.<br />
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Sin duda un plan alternativo y divertido al beber licor 43 con menta en cualquier guateque.M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-68812253983475033032011-03-15T04:01:00.016+01:002011-03-15T16:42:33.568+01:00Convivir con lo inevitable<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGh8GJPVenuDR3DT34YmwL9BbbQFOLpg5niyyr3b4Zu232SU59PvgpcKyNgA8OsaaA4v6eFZ8s8aQFBVw6yKCDmh28sCj0nACWvc5qRHDquKCwHRWMbc08paKIN_Ql3MRR_uZRqzkh6AT5/s1600/cecile.jpg"><img style="float: right; margin: 0pt 0pt 10px 10px; cursor: pointer; width: 111px; height: 197px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGh8GJPVenuDR3DT34YmwL9BbbQFOLpg5niyyr3b4Zu232SU59PvgpcKyNgA8OsaaA4v6eFZ8s8aQFBVw6yKCDmh28sCj0nACWvc5qRHDquKCwHRWMbc08paKIN_Ql3MRR_uZRqzkh6AT5/s320/cecile.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5584149865470561938" border="0" /></a>La idea que uno se podía hacer respecto al hecho de que Clint Eastwood (en su inagotable afán en desarrollar su carrera con mayor celeridad) iba a enfrentarse a un thriller sobrenatural estaba más cercana a esperar un buen entretenimiento que una de sus muchas y contundentes obras cumbres; algo más cercano a algunos de sus entretenimientos de primera que al reflexivo estudio de la condición humana de, por ejemplo, <a href="http://www.imdb.com/title/tt0498380/"><span style="font-weight: bold;">Cartas desde Iwo Jima</span></a> (2006). Claro que, igualmente, en el momento que se anunció otro thriller de secuestros con Angelina Jolie pocos se podrían imaginar algo tan redondo y perturbador como <a href="http://www.imdb.com/title/tt0824747/"><span style="font-weight: bold;">El Intercambio</span></a> (2008). Si alguna conclusión se puede esperar de todo esto es que con Clint no tiene cabida cualquier tipo de expectativa o presunción.<br /><br />Quizás por ello <a style="font-weight: bold;" href="http://www.imdb.com/title/tt1212419/">Más Allá de la Vida</a> (2010) no deba resultar sorprendente, pero no puedo dejar de maravillarme de cómo un cineasta que podría haberse permitido el lujo de acomodarse en un estilo, recibir loas trasnochadas por ello y seguir pertenenciendo a la élite; cómo, en definitiva, un señor de ochenta años puede permitirse seguir ahondando en todo lo que toca con el ímpetu de un primerizo y la experiencia bien llevada de un humilde sabio. La historia de tres humanos marcados por la muerte consigue que discurra con total naturalidad, con la marca del dolor que hace imperativo el no frivolizar algo tan inmenso como la pérdida; no obstante, y a juzgar por varias entrevistas, el guionista Peter Morgan escribió el guión tras la desaparición de un ser querido, y con tal respeto trata Eastwood el libreto, dejando que discurra en base a su ya clásico estilo. Morgan se adentra en el tema desde las diferentes perspectivas de sus protagonistas y su relación con el más allá: el experimentado <span style="font-style: italic;">sensitivo </span>en la piel de un contenido y campechano Matt Damon, cuyo don considera una maldición ante la imposibilidad de convivir con alguien que le provoca conocer los muertos de cualquier persona; una periodista francesa incansable interpretada por Cecile de France, cuya reciente experiencia cercana a la muerte la encauza en su afán de descubrir la verdad y, por último, el de un joven londinense cuya pérdida de su hermano gemelo le produce un ansia de respuestas ante el desamparo de la propia pérdida de su niñez. Tres visiones marcadas por un simple motivo: el simple hecho de buscar respuestas con las que poder vivir, bien sea distanciándose de ellas, estudiándolas o comprendiéndolas.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwcnIvmndW77m8a8Ew0visjLIch_Gbqps5FYW-m90vsjzJLhitnkho03Qb5CcPkcaBJrdnz_7dqEXlELpetZ3zPUs7FYG7zwQs0hGJTBvnisK-5lUQYLIg-FEqOr3P3-OWtt4Um91UrhQj/s1600/maaaat.jpg"><img style="float: left; margin: 0pt 10px 10px 0pt; cursor: pointer; width: 111px; height: 197px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwcnIvmndW77m8a8Ew0visjLIch_Gbqps5FYW-m90vsjzJLhitnkho03Qb5CcPkcaBJrdnz_7dqEXlELpetZ3zPUs7FYG7zwQs0hGJTBvnisK-5lUQYLIg-FEqOr3P3-OWtt4Um91UrhQj/s320/maaaat.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5584275071076573922" border="0" /></a>En este punto, <span style="font-weight: bold;">Más Allá de la Vida</span> vira bruscamente sobre otras películas del tema por asimilar lo paranormal, en clara alusión del hecho de que, sin muerte, no puede existir vida. La cotidianidad de las vidas de sus personajes (indisoluble al dolor que sienten por su condición, incomprensión o pérdida) marca todo el metraje, dejando bien claro que no existe nada atípico ni fantástico a lo que el espectador pueda agarrarse. Porque lo que consigue Morgan en su guión es la convergencia de muchas dudas nacidas del dolor y de lo inevitable, un alegato honesto para quienes deben pasar por tal trance sin ninguna contaminación religiosa o cultural; simplemente mostrar que las dudas, la búsqueda y el sufrimiento están ahí, y con ello valorar más la dignidad intrínseca a nuestras vidas cotidianas. Porque, al fin y al cabo, lo que Eastwood y Morgan (quizás más en unísono que en otras colaboraciones con otros guionistas) quieren decir es que lo que hay más allá de la vida es la propia vida, vida en continua circulación, y el final puede resultar bastante más esclarecedor que cualquier discurso de ínfulas catárticas que se crea poseedor del significado de la mortalidad.<br /><br />Seguramente no se trate de una obra redonda, y la estructura de tres historias que convergen se precipite como si no quedara tiempo; sin embargo, resulta gratificante ver que la veteranía, carrera y edad no impiden a Clint seguir adentrándose como nadie en cualquier tipo de género o temática con la vitalidad de lo que tendría que ser un director novel. Y al igual que su última película puede ser una muestra en celuloide de la dignidad del ser mortal, Clint Eastwood no deja de representar en carne la dignidad del propio cine.M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-27151238125802078032011-03-07T16:04:00.023+01:002011-03-08T20:30:50.648+01:008 Muestra SyFy, día 4: Vampirizando génerosCuarta y última jornada, bien colocada en el calendario porque, hay que admitirlo, el cansancio de las sesiones maratonianas que uno se va tragando va haciendo mella. Caracterizando como vienen siendo caracterizados los domingos de la muestra, la afluencia de gente se reduce sensiblemente, lo que provoca un ambiente más respetuoso del que suele haber (y que podría ser bastante más, para qué negarlo). Cada vez tengo más claro que debería cambiarse un poco la promoción del evento, o buscar alguna explicación del por qué escenas de sexo o cualquier detalle mínimamente metafórico provocan risas y comentarios entre el público, que uno no sabe si se encuentra en los primeros días del destape, o en un modo de disfrutar del cine desconocido para mí.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrcTqxgrleN3gJ9uFL3uiyjonWsJ-smpceI8DjIMy4EuQTyZgtJbVL2D6i5Cj84nteMXDR60QD8iSvyprMFj2oy75x94G3X_nWWGffcyoZFcwiKuOgg5rkBuRvwdIv3yZ8C-2LEDSTFadb/s1600/gorepos.jpg"><img style="float: left; margin: 0pt 10px 10px 0pt; cursor: pointer; width: 239px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrcTqxgrleN3gJ9uFL3uiyjonWsJ-smpceI8DjIMy4EuQTyZgtJbVL2D6i5Cj84nteMXDR60QD8iSvyprMFj2oy75x94G3X_nWWGffcyoZFcwiKuOgg5rkBuRvwdIv3yZ8C-2LEDSTFadb/s320/gorepos.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5581463503245630882" border="0" /></a>Empezó la tarde con la reprogramación de la película no emitida el viernes, <a href="http://www.imdb.com/title/tt1465522/"><span style="font-weight: bold;">Tucker & Dale vs. Evil</span></a> (Eli Craig, 2010), que aún solucionados los fallos que evitaron su proyección, la copia fue exhibida a un tamaño ínfimo respecto a la lona, y con la sutil falta de brillo de la que parecen acostumbrados buena parte de los asistentes. Quizás en otros films el detalle pesaría menos, pero teniendo en cuenta que gran parte del mérito de este film reside en haber sido rodado con una RED de 4k de resolución (he preguntado y sí: es mucho), el delito es mayor. Entre eso y las expectativas que se fueron rumiando desde el viernes, sumándole que terror y comedia juntos no suele tener buena salida en esta muestra, el debut de Eli Craig se destapa como un grandísimo entretenimiento que no se limita al simple acto paródico del slasher, si no que lo homenajea con sumo cariño como lo hizo <a href="http://www.imdb.com/title/tt0365748/"><span style="font-weight: bold;">Shaun of the Dead</span></a> (Edgar Wright, 2004) con los zombis. Situando la atención sobre los supuestos futuros artífices de la matanza, la película desmonta muchos de los tópicos del género quizás con un humor más amable del esperado, pero más agradecido en cuanto el dúo protagonista demuestran un carisma y sensibilidad inusitados en la imagen que muchos otros films nos quieren vender respecto a los rednecks, y de lo que ayudan mucho ese rostro de humor puro llamado Alan Tudyk y el recurrente televisivo Tyler Labine. La estructura que adopta la película respecto a las muertes del grupo de universitarios aporta una visión más profunda de lo que pueda parecer sobre el futuro del slasher, ridiculizándolas hasta el extremo de hacernos ver que, con humor (y no necesariamente negro), el debate suele entrar mucho mejor. Quizás la única agradable sorpresa de la muestra desde mi más profundo desconocimiento.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf8C0IJmViG1j2KkTnaO-Z9cibUSWDqHbQipqmDoO4NWPAIj_wNZzwZgOCdDGc0OanIYfoumZBavpdsONZjeT2uY1pf5zAJLNvqMFrsilhv8Fz_GQQk3kWtUa6PhXLTaLo8EQtXcGZ6zpU/s1600/Thirst-p2.jpg"><img style="float: right; margin: 0pt 0pt 10px 10px; cursor: pointer; width: 224px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf8C0IJmViG1j2KkTnaO-Z9cibUSWDqHbQipqmDoO4NWPAIj_wNZzwZgOCdDGc0OanIYfoumZBavpdsONZjeT2uY1pf5zAJLNvqMFrsilhv8Fz_GQQk3kWtUa6PhXLTaLo8EQtXcGZ6zpU/s320/Thirst-p2.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5581467798162096690" border="0" /></a>Volviendo a lo que sería la programación inicial del domingo, Park Chan-wook consigue remover las entrañas con <a href="http://www.imdb.com/title/tt0762073/"><span style="font-weight: bold;">Thirst</span></a> (2009), incursión de su visceral y hermoso estilo al terreno vampírico, donde se revela como una de las más interesantes aportaciones al género por las ramificaciones que toma. Tomando como punto de partida la historia de un cura que se expone a una intervención experimental en la que muere y resucita, el ambicioso realizador coreano modera (o ajusta) su visión para dar coherencia a una interesante mezcla de fantástico y costumbrismo, terreno donde se desarolla la que es, personalmente, una de las historias de amor más enfermizas y hermosas que jamás he disfrutado en una sala. Distendiéndose de lo que suele ser el amor vampírico y que suelen acabar con cierto hastío por parte del espectador, la relación de un cura cuyas implicaciones religiosas lo ponen en duelo ante su hambre de sangre y sexo (curiosa mezcla de conceptos que la película da por hecha desde un comienzo) y la de una mujer de clase media, subyugada por su cultura y su familia, cuyo única intención es liberarse de algún modo a través del infectado; esta relación, que bien podría haber sido tratada desde el morbo, Chan-Wook decide ahondar en ella en lo que es un auténtico duelo de convicciones y circunstancias, de instintos contra principios, llámese religión, llámese impulsos. Probablemente en la mejor secuencia del cine del coreano, en una especie de bautismo recíproco donde él y ella se funden, resida el resumen de muchas otras películas sobre vampiros que lo han intentando y no han podido. En definitiva, lo que el autor parece dar a entender sobre las relaciones de pareja resulta tan honesto y enfermizo, hermoso y a su vez descorazonador como el principal motivo que las impulsa. Amor, en definitiva.<br /><br />Otra promesa del festival era <a href="http://www.imdb.com/title/tt1407972/"><span style="font-weight: bold;">Dream Home</span></a> (Ho-Cheung Pang, 2010) film chino de cuyas referencias me había creado ciertas expectativas, pero que, como en la mayoría de los casos, las expectativas mejor guardadas una vez se sienta uno en la sala. Igual que en la anterior película congeniaban fabulosamente el trato de la vida hogareña y la excepcional historia vampírica, en la que nos ocupa no parece existir un punto intermedio entre el gore provocado por una mujer en un edificio de viviendas y la vida rutinaria y tranquila de la misma. Aborda con igual ansia ambas formas, colocando un muro bastante molesto entre ambas, y que no aporta cohesión a las justificaciones de la protagonista para ejercer tan abominables actos mientras se relata su vida en forma de flashback. Cuando uno se quiere dar cuenta, la clave que define al personaje llega demasiado tarde precisamente por comenzar tan pronto su matanza. Sin embargo, hay que admitir que existe una buena crítica social en la exposición de una clase media hongkonesa (que, admito, desconocía) en su lucha contra la salvaje recalificación inmobiliaria que arruinó las esperanzas de muchos habitantes de la isla, más aún cuando el traspaso de la soberanía de la misma al gobierno chino, pero que queda lastrada por esa subdivisión en géneros que hacen que parezca más antagónicos de lo que son.<br /><br />Por último, y para dar carpetazo a una de las muestras más desbalanceadas y menos fantásticas que recuerdo, se contó con la producción de Eli Roth <a href="http://www.imdb.com/title/tt1320244/"><span style="font-weight: bold;">The Last Exorcism</span></a> (Daniel Stamm, 2010), film que comparte formato pseudodocumental con otras producciones pero que, como otras muchas, termina olvidando el formato y se introduce de lleno en la narración clásica. Esta "conversión" habría resultado más efectiva si se hubiera optado por usar el formato como recurso, como puede ser en <a href="http://www.imdb.com/title/tt1136608/"><span style="font-weight: bold;">District 9</span></a> (Neill Blomkamp, 2009) o la teleserie <a href="http://www.imdb.com/title/tt1442437/"><span style="font-weight: bold;">Modern Family</span></a> (2009), el director opta por un falso documental con cámara y sonidista incluidos como personajes, lo que resta credibilidad en ese último tramo. No obstante, el guión define muy bien el personaje del predicador exorcista timorato y carismático, cuya causa se ve pateada por la acción del propio diablo... pero, como me sucede con <a href="http://www.imdb.com/title/tt1060277/"><span style="font-weight: bold;">Cloverfield</span></a> (Matt Reeves, 2008) hubiera preferido una narración convencional desde un comienzo antes que ver desaprovechado el contexto creado. Como detalle colateral a la proyección, <span style="font-weight: bold;">The Last Exorcism</span> hizo darme cuenta de que podría contar con dos dedos de la mano las películas sobre exorcismos que me han convencido lo largo de mi vida.<br /><br />Una vez cerrada, en esta octava muestra ha quedado patente que existen aún grandes fallos por solucionar, pero que uno no sabe si mantener las esperanzas visto que, año tras año, se mantienen: proyecciones oscuras y en ocasiones mal encuadradas (¡y con proyector digital!), subtítulos que, en ocasiones, se pierden en la línea de tiempo... Son detalles que van restando credibilidad a una muestra que debería contar con mucho más peso ante la carencia de festivales de peso en la capital del país. Aparte queda una selección pobre en calidad aún con las honrosas excepciones, pero cuyo mayor problema reside en la falta del fantástico y de otros géneros: animación, cine infantil, ciencia ficción... Poca sci-fi para Syfy, maldita ironía. Sin embargo, espero que el recuerdo de las grandes obras asiáticas sea lo único que retenga a esperas de una novena edición, eso sí, mucho más cuidada.M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-12937322408458084732011-03-06T12:43:00.013+01:002011-03-08T15:04:41.751+01:008 Muestra SyFy, día 3: Influencias transcontinentalesA estas alturas de la muestra, sería bastante ingenuo pensar que se puede marcar una línea en la selección de películas, como si el hecho de que las escogidas fueran las que son por algún motivo más allá de englobarse de alguna manera en lo fantástico (aunque es evidente que no todas son así). Intentar buscar una correspondencia entre ellas no procede, pero no puedo dejar de pensar que la jornada de ayer dejó una clara muestra de que en Corea del Sur piensan más, y muy bien que piensan, en todos los temas escabrosos que gente como Dario Argento parece haber olvidado con el paso del tiempo. La brutal diferencia en el trato y mimo que se le dan a lo más bajos instintos del ser humano existente entre Jee-woon Kim y el director italiano deja patente que en Asia existe un filón inagotable, filón muy influenciado, pero de una inusitada limpieza en la mirada a la hora de asomarse al vacío.<br /><br />Con ello comenzó la tercera jornada, con la última joya de <a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEJ7pcs0UYWERYEbh5Le1Q98phIbDaXkv6DDlqWPh6fxNbjpY7yvQuL_c6KWldVS2c71GSbL74Z1L5-hn8udOxlSveS4XfNO-g4bKD9YEiJdhkubxosRwRrnKZ5CKQBTGUz9wlRGJ8LWix/s1600/i-saw-the-devil.jpg"><img style="float: right; margin: 0pt 0pt 10px 10px; cursor: pointer; width: 214px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEJ7pcs0UYWERYEbh5Le1Q98phIbDaXkv6DDlqWPh6fxNbjpY7yvQuL_c6KWldVS2c71GSbL74Z1L5-hn8udOxlSveS4XfNO-g4bKD9YEiJdhkubxosRwRrnKZ5CKQBTGUz9wlRGJ8LWix/s320/i-saw-the-devil.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5580936454255098258" border="0" /></a>Jee-woon Kim tras ese simpático paréntesis aventuresco que fue <a style="font-weight: bold;" href="http://www.imdb.com/title/tt0901487/">The Good, the Bad, the Weird</a> (2008). Para quien disfruta de cualquier producto editado sobre la venganza y el repentino resurgir del género de vigilantes, <span style="font-weight: bold;">I Saw the Devil</span> marca un punto de inflexión con su trato descarnado, su capacidad empática con el sujeto a vengarse y con un elemento emotivo difícil de buscar en estas producciones. El director se permite el lujo de alternar la cacería entre un marido que tortura lentamente al asesino de su mujer, con la propia cacería del asesino con quien le está haciendo sufrir: no existe un arrepentimiento, un motivo que haga claudicar al asesino, y el espectador es capaz de entender su perseverancia no sin sentirse turbado por ello. Lo que <span style="font-weight: bold;">I Saw the Devil</span> pretende (y consigue) es buscar una respuesta en todos los actos del protagonista, intentar comprender que no existe crimen gratuito, y ahí reside el éxito del film: en la angustia de quien busca respuestas y cada vez se aleja más de ellas. Con ello consigue alejarse de los mensajes livianos de otras películas de vigilantes y, curiosamente, se alza junto a <a href="http://www.imdb.com/title/tt1329454/"><span style="font-weight: bold;">Vengeance </span></a>(Johnnie To, 2009), también proyectada la muestra pasada, como las películas más reflexivas sobre el tema en los últimos años.<br /><br />El terror francés en su vertiente torture porn se hubiera visto representado con <a style="font-weight: bold;" href="http://www.imdb.com/title/tt1600701/">Caged (Captifs)</a> (Yann Golan, 2010)... de no ser porque pretende lo primero, y obvia totalmente lo segundo. Tras un comienzo prometedor y bien narrado cuya elipsis pasa de la causa de un trauma infantil a la misma niña que lo sufre años después en Yugoslavia, donde ejerce de médico junto dos compañeros. El secuestro de los mismos mete la película en una anodina muestra de terror esquematizado y planteado sin ningún tipo de aliciente, que se atreve a meterse en un tema <a href="http://www.lagranepoca.com/stories/20110126/16515-parlamento-europeo-aprob%C3%B3-investigar-a-presidente-de-kosovo-por-venta-de-%C3%B3rga">muy espinoso</a> sin nada que haga preocuparse por el devenir de los encerrados. Tirando de recursos sonoros se intenta introducir en el miedo de los personajes, que acaba deviniendo en otra muestra a rebufo de los más aburridos tópicos que van trayendo el horror galo.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhru1azBepFJMQBHVvLxdIaJaCBBSZlJE0zgy9TaLYvII1k-SuOz-2WQCCMZrAQ_ABdOyXUypdJSfb8fz0LVhemvjRxgIw2zjXJ6XXNZpDD8Zj84dPFpGx5zQU7-OXc3b0buU8fzgJDSVOU/s1600/Giallo-296457636-large.jpg"><img style="float: left; margin: 0pt 10px 10px 0pt; cursor: pointer; width: 214px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhru1azBepFJMQBHVvLxdIaJaCBBSZlJE0zgy9TaLYvII1k-SuOz-2WQCCMZrAQ_ABdOyXUypdJSfb8fz0LVhemvjRxgIw2zjXJ6XXNZpDD8Zj84dPFpGx5zQU7-OXc3b0buU8fzgJDSVOU/s320/Giallo-296457636-large.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5580940950027559458" border="0" /></a>Y llegó el momento Argento, del que sorprendentemente aún había gente en la sala esperando una muestra de su genio. <span style="font-weight: bold;">Giallo </span>venía arrastrando fama de ser una absoluta muestra de la decadencia (por no decir sepelio) del autor italiano, aunque por norma suelo olvidar todas esas implicaciones en cuanto aparecen los primeros títulos de crédito. El caso es que la confirmación de esa decadencia va avanzando desde el primer minuto sin descanso, en un ejercicio de absoluto desprecio por el guión donde reside la justficación del tedio que Adrien Brody demuestra durante toda la película, deseoso de salirse de la misma a las primeras de cambio. Su doble papel debería contar como doble negativo a la hora de ser escogido en futuros proyectos, y su participación como productor no hace otra cosa que hundir aún más su reputación. Da la sensación de estar viendo un mal capítulo de una mala serie española de policías, donde Emmanuel Seigner y Elsa Pataki son las malas actrices que hacen su primera participación, y donde el malvado psicópata está tan terriblemente esterotipado (¡y se masturba con hentai de Final Fantasy VII!) que, esta vez sí, el despropósito proyectado hace que resulte terriblemente divertido. Una de estas películas cuya decadencia y ponzoña resulta tan progresiva y creciente que uno no puede dejar de disfrutar de ella.<br /><br />La solución después de tanto goce malsano podía haber venido con <a href="http://www.imdb.com/title/tt1270835/"><span style="font-weight: bold;">Hatchet II</span></a> (Adam Green, 2010), continuación de aquel slasher que me hizo creer de nuevo en el género. Sin embargo, y aún plenamente disfrutable, Green decide tirar por una continuación directa de las andanzas de Victor Crowley, simplificando tras cuatro años de paréntesis lo que podría haber resultado una interesante continuación de la leyenda del pantano. No obstante resulta un divertido producto con momentos de ingenio, tales como el maravilloso diálogo inicial con el barquero (donde, en pocas palabras, desmonta gran parte de los preceptos del género) hasta las sucesivas muertes con total mano ligera de sangre. Por otra parte y ya de una forma más personal, destacar la increíble presencia de Tony Todd de nuevo en su papel de Reverendo Zombie. Actor fetiche en el fantástico, su porte, voz y su capacidad de inquietar sigue en pie hasta en los momentos más cómicos. Que sigan dándole más.<br /><br />Ya por último, el broche final con una sesión de <span style="font-weight: bold;">Trash entre amigos</span> que, personalmente, no pude disfrutar por el abrazo de morfeo. Hoy domingo promete, aunque seguramente lamentaré algo tan descaradamente horrible y gozoso como lo que nos brindó Dario Argento ayer.M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-5323659930415379072011-03-05T12:22:00.007+01:002011-03-05T14:33:44.022+01:008 Muestra SyFy, día 2: Espadas para combatir el horrorTras el día de ayer, servidor se está planteando si los errores perfectamente solventables que arrastra esta muestra resultan ser un defecto de carácter, chascarrillos simpáticos que perfilan la personalidad del evento, porque de otro modo sería incapaz de comprender cómo es posible que, año tras año, sigan existiendo proyecciones deficientes (peor aún, existiendo un proyector digital en la sala), fallos de sonido y películas sustituidas en último momento por fallos que, en teoría, se suelen comprobar bastante antes del comienzo de la proyección. Como tampoco es algo que me altere especialmente, en tanto todo esto me sale gratis (mal consuelo) y resulta un entretenimiento saludable en un lugar céntrico, sí resulta crispante al pensar en esa gente que se recorre varios centenares de kilómetros para encontrarse los mismos fallos tras otros todos los años.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIpUsTjqZ4N639wfVQlxBmd7YJPHxHZooYfLxQsW1T-uu6oFApXBmhwS7s8aEeunbmFYHYi7ViZtKCira2gOBcGaP680k1M97U5xwlv8_6mm2DD-aY1Q9nB-SShcw7hT6aeE23aUlUj_p7/s1600/Cherry_Tree_Lane.jpg"><img style="float: left; margin: 0pt 10px 10px 0pt; cursor: pointer; width: 216px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIpUsTjqZ4N639wfVQlxBmd7YJPHxHZooYfLxQsW1T-uu6oFApXBmhwS7s8aEeunbmFYHYi7ViZtKCira2gOBcGaP680k1M97U5xwlv8_6mm2DD-aY1Q9nB-SShcw7hT6aeE23aUlUj_p7/s320/Cherry_Tree_Lane.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5580582823187324786" border="0" /></a>Lo más probable es que esta disertación resultaría menos si no fuera porque, de las cuatro obras ayer exhibidas, tan sólo una consiguió salvar del hastío a buena parte de los presentes. Abrió la segunda jornada de la muestra<a href="http://www.imdb.com/title/tt1468829/"> <span style="font-weight: bold;">Cherry Tree Lane</span></a> (Paul Andrew Williams, 2010), otro ejemplo del clasismo que viene salpicando al terror británico y que, con absoluto efecto mimético, va avanzando a discursos peligrosamente simplistas. Plagada de recursos estilísticos a destiempo y de un ritmo excesivamente cortado por situaciones previsibles (y destrozado en su propio terreno por un final típico y precipitado), lo más inquietante del film resulta ser ese intento por mostrar a una clase media y acomoditicia como elemento desamparado per se, sin una motivación por explicar la situación más que su propia condición de gente de bien. El juicio al que somete Andrew Williams al grupo de asaltantes resulta sistemático desde el primer minuto, condicionando la película a un sector que puede que lea una señal de alarma ante la problemática de la inseguridad ciudadana, pero que, lamentablemente, no tendrán los elementos para plantearse el por qué de esa inseguridad.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3TawDgx6Ccy0c2tyV82fH1a33tRPxRHPPYhyLmcVY71RKEkNcJt8_VSGQsI2UUuvmlT5loSj8QKqcECByjAbJ4I6PlE-LyadAFRAAcxQbXurTEhZAk5YP8vhMzvP1QPz0XN8i-JHT70Mk/s1600/thirteen.jpg"><img style="float: right; margin: 0pt 0pt 10px 10px; cursor: pointer; width: 227px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3TawDgx6Ccy0c2tyV82fH1a33tRPxRHPPYhyLmcVY71RKEkNcJt8_VSGQsI2UUuvmlT5loSj8QKqcECByjAbJ4I6PlE-LyadAFRAAcxQbXurTEhZAk5YP8vhMzvP1QPz0XN8i-JHT70Mk/s320/thirteen.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5580582920643190274" border="0" /></a>Takashi Miike vuelve a la muestra tras los dos años pasados de la proyección de <a href="http://www.imdb.com/title/tt0991243/"><span style="font-weight: bold;">Like a Dragon</span></a> (2007), aquella adaptación de la saga videojueguil Yakuza y que escondía bastante más interés de lo que podría resultar de un comienzo. En este caso nos brinda una muestra de su mejor talento (el reposado y el desatado) con <a href="http://www.imdb.com/title/tt1436045/"><span style="font-weight: bold;">Thirteen Assassins</span></a> (2010), auténtica carta de amor al chambara y remake de una pseudodesconocida película de 1963. Tras años de sufrir reflexiones lentas y melancólicas del género, Miike toma la senda de la violencia que tan bien conoce para mostrar el ocaso del sistema militar del shogunato plagado de simbolismos: desde el amo sádico y déspota pero que no deja de ser un niño mimado inconsciente del propio daño que ejerce, hasta la relativización de la moral samurai a través de un personaje que resulta igual de eficiente matando, pero que reniega de cualquier sentido del honor. Desde un comienzo que puede resultar desconcertante para occidentalitas como nosotros (plagado de nombres, datos y política shogun) hasta el impresionante clímax final de lo menos una hora, lo que estamos viendo es una película tan fuerte y crepuscular como lo fue <a href="http://www.imdb.com/title/tt0065214/"><span style="font-weight: bold;">Grupo Salvaje</span></a> (Sam Peckinpah, 1969).<br /><br />Mientras el público esperaba disfrutar a continuación de lo que promete ser una divertida mezcla de géneros con <a href="http://www.imdb.com/title/tt1465522/"><span style="font-weight: bold;">Tucker & Dale vs. Evil</span></a> (Eli Craig, 2010), la repentina destrucción de la cinta por motivos que, tengo que admitir, no me molesté en escuchar, provocó su sustitución por <a href="http://www.imdb.com/title/tt1297298/"><span style="font-weight: bold;">Salvage</span></a> (Lawrence Gough, 2009), proyección directa de televisión a tenor de la carta de ajuste que iba apareciendo de vez en cuando (incluso en mitad de un clímax). Una madre en busca de su hija en un vecindario tomado por ¿un monstruo? ¿el ejército? ¿un amante? Muestra de absoluta incoherencia narrativa donde el espectador no sabe si está viendo un slasher, una película de militares o, simplemente, un ejemplo de tirar de tópicos del cine de horror para terminar haciendo eso mismo: un horror. El mayor consuelo es leer en los créditos que está producida por la BBC, lo que demuestra que en todos lados cuecen habas.<br /><br />El último intento del día por destruir el buen recuerdo del film de Miike llegó con <a href="http://www.imdb.com/title/tt1425253/"><span style="font-weight: bold;">Shadow</span></a> (Federico Zampaglione, 2009), otro terror fílmico sobre un pobre desgraciado que sale de una guerra para encontrar otra en los Alpes, donde intenta recluirse con su bicicleta. Desde el primer minuto se van tomando puntos de comienzo y no para hasta acabada la película, desconcertando por la absoluta incapacidad de llevar ideas inconexas ayudadas, eso sí, por una también inconexa capacidad visual para mantener la tensión. Otro producto que tira de listado de tópicos como si de un realizador novato pajillero se tratase, y cuya resolución final, debo admitir, resulta de lo más risible que he visto en una sala; un intento de querer cerrar el sindios en el que el director y sus guionistas se han metido, tirando por una senda que cualquier guionista con dos dedos de frente descarta de un comienzo.<br /><br />Aún con todo, el recuerdo de esa gran obra llamada <span style="font-weight: bold;">Thirteen Assassins</span> consigue olvidar los horrores perpretados por nuevos cineastas que parece seguir una peligrosa máxima: <span style="font-style: italic;">no dejes que la coherencia destroce un bonito plano</span>. Y hoy toca Argento. Deseadme suerte.M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-64531124554657487342011-03-04T01:45:00.012+01:002011-03-08T18:15:34.773+01:008 Muestra SyFy, día 1: Matt Damon sabe ponerse un sombrero<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYEUhG_udjYZXqrUvV1oCkq0Omqesn4x15B6FPf0tOVGdmO7kPWQLAeSdjTRZkXpjEaO3TYEB5lH0myvJvTktVKdLNJo5jPWrN6yC3bdIAdJ2mwK16K4ZzzYSG2vP6NlG1ziG2P4QIL-kh/s1600/adjustment-bureau-destino-oculto-poster.jpg"><img style="float: left; margin: 0pt 10px 10px 0pt; cursor: pointer; width: 221px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYEUhG_udjYZXqrUvV1oCkq0Omqesn4x15B6FPf0tOVGdmO7kPWQLAeSdjTRZkXpjEaO3TYEB5lH0myvJvTktVKdLNJo5jPWrN6yC3bdIAdJ2mwK16K4ZzzYSG2vP6NlG1ziG2P4QIL-kh/s320/adjustment-bureau-destino-oculto-poster.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5580025465374395746" border="0" /></a>Hay que admitir que cada vez cuesta enfrentarse más a las adaptaciones de los textos de Philip K. Dick, probablemente por la saturación de las mismas o por el indebido trato que se le suele dispensar a la obra impresa. En todo caso parece ser que el filón resulta inagotable, y aunque no suelen resultar un valor seguro en taquilla -exceptuando <a href="http://www.imdb.com/title/tt0181689/"><span style="font-weight: bold;">Minority Report</span></a> (Steven Spielberg, 2002) en los últimos años-, parece que tendremos que templar los prejuicios ante sus adaptaciones para largo.<br /><br /><a href="http://www.imdb.com/title/tt1385826/"><span style="font-weight: bold;">The Adjustment Bureau</span></a> (George Nolfi , 2011) parte de la vertiente del escritor en la que se plantea los recovecos del poder, de cómo siempre existe un elemento superior del que escapar requiere adentrarse en un juego esquizofrénico de realidades y apariencias... En teoría, puesto que el primerizo George Nolfi decide optar por una senda más convencional y delimitada, recurriendo a explicaciones un tanto peregrinas para justificar los límites del poder de los agentes (¿agua y sombreros?) y no ampliar el abanico de posibilidades que promete de un comienzo y que no termina por desarrollar. La absoluta omnipresencia que sugiere un grupo de gente dedicada a marcar el destino de la humanidad se queda corto ante tales limitaciones, lo que arrastra parte de la importancia del romance -en teoría- imposible o el libre albedrío del protagonista. La excesiva verbalización de la metafísica de taberna tampoco ayuda, quizás a la zaga de <a href="http://www.imdb.com/title/tt1375666/"><span style="font-weight: bold;">Inception</span></a> (Christopher Nolan, 2010), aunque la complejidad de esta última requiere de ello; en definitiva, gran parte del problema de <span style="font-weight: bold;">The Adjustment Bureau</span> es intentar dar una suerte de mensaje filosófico-religioso-sentimental sin una base lo suficientemente sólida, excesivamente conservadora y, sobre todo, ingenua.<br /><br />Más interesante resultan otras lecturas paralelas. Llegado a un punto de la película, uno no se quita la sensación de estar viendo una reflexión del oficio de guionista: Nolfi, coguionista de la última parte de la saga Bourne y absoluto escritor en esta, parece estar dando a entender -y esto es pura especulación propia- cierto desánimo en el acto de colaborar en un guión, sobre todo en la escena donde los agentes intentan parar a Norris modificando sus circunstancias y las de los que le rodean. El tira y afloja de los mismos con el protagonista no deja de ser una representación del ejercicio de escribir a cuatro -o seis- manos: si <span style="font-weight: bold;">Inception </span>resultaba un absoluto paralelismo del acto de hacer cine*, <span style="font-weight: bold;">The Adjustment Bureau</span> podría haberse convertido en una fabulosa proclama por el ejercicio del guionista y los avatares a los que se enfrenta, pero la excesiva complaciencia que demuestra en el libreto por darle un sentido lastra en buena manera todo ese discurso -lo que hace que aprecie más el salvaje giro de <a href="http://www.imdb.com/title/tt0268126/"><span style="font-weight: bold;">Adaptation</span></a> (Spike Jonze, 2002)-.<br /><br />En conclusión, parece ser que K. Dick sigue condenado a revisiones livianas de su obra. Porque si hay algo apreciable en ella es el sentido de humor subyacente, casi dañino; esa misantropía que demostraba un observador escasamente sociable y, por ello, tremendamente objetivo. La mayoría de sus adaptaciones resultan de una solemnidad casi ofensiva, un vuelco vacío de sus maravillosos conceptos para darle cierta forma a persecuciones y diálogos pretendidamente profundos. Una lástima ante una bibliografía repleta no sólo que buenas ideas, si no también de un modo de ver, comprender y lamentar la naturaleza humana con mucho ingenio y humor.<br /><br />Si me preguntaran por una adaptación en la que realmente encuentre ese elemento, no dudaría por un segundo: <a href="http://www.imdb.com/title/tt0100802/"><span style="font-weight: bold;">Total Recall</span></a> (Paul Verhoeven, 1990)<br /><br /><span style="font-size:85%;">*Estupendamente comentado por Toshiro Kurosawa en su blog <a href="http://fortalezaescondida.blogspot.com/2010/08/origen.html"><span style="font-weight: bold;">La Fortaleza Escondida</span></a><br /><br />*Quizás el elemento más perturbador (y coherente con la película) de toda la proyección haya sido el dejar móviles y cámaras, el cacheo con detectores metálicos y los agentes de seguridad con gafas de visión nocturna paseando por los pasillos de la sala para detectar posibles grabaciones.<br /></span>M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-71614518999736110532011-03-03T12:30:00.002+01:002011-03-03T12:32:34.752+01:00Comienza SyFyY Casaputas estará allí.<br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="http://muestra.syfyuniversal.es/"><img style="display: block; margin: 0px auto 10px; text-align: center; cursor: pointer; width: 300px; height: 125px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiLieDsvNQ10L_YeUtLa3_f3RCTe9WV4FZE_ZTVBCIjW5q8jmv-bQZF5DqRSS2bRZh03MFigPYsjtGD2j-gMwfUeKgmzryElm_xJoy7IN98R084mC8oN2f191-QPLiirByFlckedEcePPYp/s400/banner-blog.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5579814886244640098" border="0" /></a>M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-26955699429107008292011-02-23T16:33:00.009+01:002011-02-23T16:49:10.391+01:00Serie Z patria: una cutreflexión.<span style="font-size:85%;">(Artículo publicado originalmente en <a href="http://www.welovecinema.es/blog/"><span style="font-weight: bold;">Welovecinema</span></a><span style="font-weight: bold;"> </span>a 25 de febrero del 2010)</span><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"><span style=""> </span>Hubo quienes aceptaron, hace bastantes años y en otras latitudes, que el cine podría nacer de una historia, una simple idea. Tomar de base lo escrito y ajustar un presupuesto, una producción para llevarla a cabo. Nacieron entonces los estudios, los productores, las compensaciones presupuestarias en pos de sacar adelante el producto y no terminar tragando polvo en el intento. Y, sin embargo, existía gente a rebufo, que no contaba con las ágiles firmas de los ejecutivos, y que podían aspirar, como mucho, a ser los consortes de otra producción mayor en algún autocine dejado de la mano de Dios. Entonces nacía la serie B. Luego llegarían sus señas de identidad, pero la base del movimiento (que si bien se consideraba un tránsito indigno para todo aspirante) sigue vigente: hacer un ejercicio de abstracción respecto al guión, considerar los límites económicos como un acicate creativo y, ante todo, no dejarse llevar por el estigma ignominioso –y falso- que arrastra el concepto.</span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"><span style=""> </span>La serie Z, en esencia, no necesita mucha más definición: tan sólo aceptar la Serie B como Serie A (sea lo que sea eso) haría de un realizador un creador de serie Z, aunque mucho más sujeto a la ojeriza de los que se molestan más en defender la dignidad de su criterio que en tenerlo. El espaldarazo definitivo nació de las inquietudes del dúo Kaufman-Herz, fundadores de la <b style="">Troma</b>, factoría de auténticos ejercicios de mal gusto y depravación pero, a su vez, de una visceral e intimidatoria libertad creativa. De sus macabramente divertidas películas, plagadas de todas las destrucciones del tabú que uno se podría imaginar (no faltan referencias al retraso mental, a la muerte gratuita, a provocar carcajada por las mayores desgracias), se podría encontrar todo lo que hace de la Serie Z lo que es: bajísimo presupuesto y una carencia absoluta de complejos a la hora de jugar con ello.</span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD">¿Desde cuándo podría considerarse Z lo que, a efectos prácticos, cuesta discernir de lo B? Ramón López Bello demostró que podía hacerse algo cachondo por las calles con <b style=""><a href="http://www.youtube.com/watch?v=HYcuVrOoTjg">Espiderman ya no vive aquí</a></b> (1985), producción de culto entre los que frecuentábamos los fondos de Subterfuge, donde el concepto de parodia chanante tan de boga hoy se aplicaba a los superhéroes clásicos dentro del contexto de un Madrid de los ochenta. Los localismos, otro elemento que funciona realmente bien en la Z, forzosamente aplicado por no disponer de otro ante la carencia de producción. </span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7Qh8Mezzfkvet3aCSPmwJ9tvOVn6ISZtiuRVwo2rX7V6COzbrvVWgO_Dhgjpi8tp8s02PCg4kYcMIRfAdmKXaijH2jnVbJkgw1mLAb_esz5_WaZwf_7wzEUGBRCwOowvElrXqUn7tDVu6/s1600/MatanzaCanibalDeLosGarrulosLisergicos%252C+la1.jpg"><img style="float: right; margin: 0pt 0pt 10px 10px; cursor: pointer; width: 241px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7Qh8Mezzfkvet3aCSPmwJ9tvOVn6ISZtiuRVwo2rX7V6COzbrvVWgO_Dhgjpi8tp8s02PCg4kYcMIRfAdmKXaijH2jnVbJkgw1mLAb_esz5_WaZwf_7wzEUGBRCwOowvElrXqUn7tDVu6/s400/MatanzaCanibalDeLosGarrulosLisergicos%252C+la1.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5576910083005750882" border="0" /></a><span lang="ES-TRAD">El espíritu de la Troma tiene su mayor representante con la ya clásica <b style=""><a href="http://malpapel.blogspot.com/2008/08/ramos-tan-jvenes-11-antonio-blanco.html">La Matanza Caníbal de los Garrulos Lisérgicos</a></b> (1993), del tristemente desaparecido Toñito Blanco y Ricardo Llovo, donde también se pueden sacar ciertos paralelismos a Bad Taste (1987) a la hora de usar ingeniosos tiros de cámara simulando grúas o travellings, cuando se carecían completamente de ellos. Con la participación de un Manuel Manquiña en estado de gracia, sus realizadores se dan el gusto de seguir con descaro los patrones de la Troma, incluso aplicando un doblaje sobre el sonido que sería la pesadilla de cualquier crítico bienintencionado.</span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD">¿Pero cómo ha repercutido el fenómeno en este país? ¿Existe un equivalente a la <b style="">Troma</b> ibérico, un punto de inflexión en el que se puedan reunir toda una caterva de realizadores con plena libertades? La respuesta es sencilla: no. Un no con sus reservas, pero no existe en la actualidad nadie en España que ejerza la influencia que Lloyd Kaufman ha dejado en EEUU en cuanto coger una cámara y dejarse las inhibiciones en casa. Si bien la larga influencia de Jess Franco ha provocado una gran cantidad de Films bajo su ala (y la mayoría, como Kaufman, con él presente) no podría considerarse tanto como Z por el afán elogioso-homenaje de la mayoría de ellas. Ejemplo tenemos con las obras de Pedro Tombury: <b style=""><a href="http://www.youtube.com/watch?v=PyNPpeBW3kM">Karate a Muerte en Torremolinos</a> </b>(2003) y <b style=""><a href="http://www.youtube.com/watch?v=zV5uQIYavyM">Ellos robaron la picha de Hitler</a></b> (2006), simpáticos <span style=""> </span>ejemplos de economizar en pos de la historia, pero que lamentablemente fallan en tanto que esa misma historia está viciada por el simplismo del homenaje barato. La superficie de la Serie B rascada, la consideración de que lo que hace una buena producción cutre es ser cutre desde lo escrito, lastran ambas películas hasta dejarlas como burdos homenajes de los elementos que la misma Serie B gustaba de bordear. Porque básicamente, una película mala es un juicio: hacer intencionadamente una película mala, una insensatez. Tanto el <i style="">revival</i> de la <i style="">sci-fi</i>, lo <i style="">vintage</i> y la recuperación de los conceptos clásicos de la misma han llevado a pensar que cualquier homenaje, por el simple hecho de serlo, ya adquiere una validez perpetua de cara al público. Que lo <i style="">cutre</i>, lo <i style="">malo</i> a propósito, tendrá algún tipo de aceptación solo por serlo. </span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzIX1uHp1uSsgYIBgGJipuOLlHKU8L-AVEXC7u4xnoWxtj3M5Up-PqOeoUZX1QIwglq5pfjnSCZVH9SIOWPpW3g5yLwMulIgEgF8N-9-DB1cdJzSfhMFdVd7MPNeT62jP2EV11ioMmZojh/s1600/MacKenzie.jpg"><img style="float: left; margin: 0pt 10px 10px 0pt; cursor: pointer; width: 260px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzIX1uHp1uSsgYIBgGJipuOLlHKU8L-AVEXC7u4xnoWxtj3M5Up-PqOeoUZX1QIwglq5pfjnSCZVH9SIOWPpW3g5yLwMulIgEgF8N-9-DB1cdJzSfhMFdVd7MPNeT62jP2EV11ioMmZojh/s400/MacKenzie.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5576911171252402450" border="0" /></a><span lang="ES-TRAD">Aún con todo, se pueden encontrar en la actualidad ejemplos de auténtica motivación por sacar algo a delante: <b style=""><a href="http://www.lafuriademackenzie.com/promo/">La Furia de McKenzie</a> </b>(2005, P. Campano, F. Caña y J.L. Reinoso): con una producción de dos mil euros, sus realizadores consiguen que el resultado evoque el espíritu de la Z sin ningún complejo a la hora de mostrar con orgullo sus carencias, usarlas con ingenio para que luzcan estupendamente y permitirse el lujo de hasta homenajear a Peckinpah en todo el contexto. Un buen ejemplo de libertad creativa que crece a través de los límites económicos e incluso de crítica. Igualmente, nombres como Ricardo Ribelles y su excesiva y mimada <a href="http://www.elbaroncontralosdemonios.com/"><span style="font-weight: bold;">El</span> </a><b style=""><a href="http://www.elbaroncontralosdemonios.com/">Barón contra los Demonios</a> </b>(2007), una locura barroca, salvaje, barata; en definitiva, un Z de ley, donde tardaría más de diez años para acabarla<span style=""> </span>repleta de desmadres evocando a Corben, Frazzeta o Peter Jackson. Un sindios que choca con otras propuestas como Fernando Project (Naxo Friol, 2001), retrato costumbrista con cierta mentalidad outsider, donde la carencia alimenta el entusiasmo de todos y cada unos de los integrantes de la <i style="">producción</i>.</span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"><span style=""> </span>En definitiva, no se podría afirmar al 100% que la Z sea una constante en el cine español: sin embargo, diversas iniciativas como la que viene haciendo el festival <b style=""><a href="http://www.gijon.es/documentos/Departamentos/FMC/DptoDIFU/PEOR%20IMPOSIBLE%202009.pdf">Peor Imposible</a></b> en Gijón o la <b style=""><a href="http://www.fantasticestepona.com/">Semana Internacional de Cine Fantástico y de Terror de Estepona</a></b>, donde si bien no se dedican de pleno a ello, sí se molestan en otorgar un pequeño espacio a gente de pocos recursos y muchas ganas de aprovecharlos. A quien suscribe le encantaría pensar que la proliferación de lo digital abrirá aún más el campo, sin aspirar a más que narrar historias y no considerar denigrante el hecho de hacerlo sin usarlo de tránsito a <i style="">aspiraciones mayores</i>: en ese sentido, la aparición de <a href="http://www.elpais.com/articulo/Galicia/Serie/Z/familia/elpepiautgal/20091115elpgal_9/Tes">Javi Camino</a> con la ayuda de… ¡su madre! (ya de por sí es Z el concepto) en el panorama cinematográfico resulta reconfortante; descubrir que, a pesar de las loables iniciativas para cambiar el sistema, se puede trabajar al margen de él si se presciden de innecesarias inhibiciones. La Z no es una moda, no es un movimiento: la Z es una filosofía de hacer las cosas (el propio Lars Von Trier admitió basarse en la Troma para su participación en el Manifiesto Dogma) que no acepta mercadotecnias o corrientes a la que atarse. Y quizás ese sea el problema para que no prospere como concepto por aquí más allá de que se venda bien.</span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"> </span></p> <p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span lang="ES-TRAD"><span style=""> </span>Y ahí está el asunto… ¿cómo vender lo que, de base, no quiere ser vendido?</span></p>M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-30220612297606539182011-02-15T00:07:00.008+01:002011-03-04T03:01:48.850+01:00VIII Muestra SyFy de Cine Fantástico<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicU5DZ3nCgJy7923fmFxXYZg0k50WMrWh5gZdEsYkKln7XOz1UDAqTgBOPRvWbWogsl5G39nrRPYmz71RBn1XQD-EyAMs9u5j3oqIMK0FlpqdDa3IuhZ1Z9sTCMXTN97f9ES5vb_JnIab4/s1600/cartelsy.jpg"><img style="display: block; margin: 0px auto 10px; text-align: center; cursor: pointer; width: 284px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicU5DZ3nCgJy7923fmFxXYZg0k50WMrWh5gZdEsYkKln7XOz1UDAqTgBOPRvWbWogsl5G39nrRPYmz71RBn1XQD-EyAMs9u5j3oqIMK0FlpqdDa3IuhZ1Z9sTCMXTN97f9ES5vb_JnIab4/s400/cartelsy.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5576666566149590322" border="0" /></a>Aún a falta, por otro año más, de un festival del fantástico en condiciones en la capital de España (que se dice pronto), Universal vuelve a traernos la Muestra de Cine Fantástico en su octava edición, segunda con el nombre adoptado del canal disponible en diversas plataformas. Quizás lo más destacable de este año sea la presencia de las últimas aportaciones de Takashi Miike y Park Chan-wook, aún inéditas por aquí. Lo más criticable, probablemente la saturación del terror en la parrilla, que pone aún más en relieve la ausencia de otros géneros presentes el año pasado como la ciencia ficción o la animación.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW6Ax5GVZif0ea4SgN2Tl0mvMFmNd6X4myge7gaYEIwREdQg-8RDcbPJLgAEXYCtzTQl5cRB4cMtcusr8AUZgE8y4T90Ijiko5oWZLkX7DA3B03u843wP64_YwqugAwWwVKDUDB_3Aatd9/s1600/the-adjustment-bureau-movie-trailer.jpg"><img style="display: block; margin: 0px auto 10px; text-align: center; cursor: pointer; width: 400px; height: 214px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW6Ax5GVZif0ea4SgN2Tl0mvMFmNd6X4myge7gaYEIwREdQg-8RDcbPJLgAEXYCtzTQl5cRB4cMtcusr8AUZgE8y4T90Ijiko5oWZLkX7DA3B03u843wP64_YwqugAwWwVKDUDB_3Aatd9/s400/the-adjustment-bureau-movie-trailer.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5576672410158486786" border="0" /></a><br />Al igual que todos los años, la muestra se abre un jueves con una producción aún no estrenada y con mayores perspectivas comerciales que el resto. En este caso se trata de <span style="font-weight: bold;">Destino Oculto</span> (The Adjustement Bureau), una nueva adaptación de Philip K. Dick que, a tenor del trailer, vuelve a englobar la ya de por sí dilatada lista de "películas sobre K. Dick con poco de él y muchas, muchas carreras". Dirigida por George Nolfi (uno de los guionistas de la saga Bourne), las espectativas de un servidor son escasas, aunque siempre abierto a que me pueda sorprender dentro de una serie de adaptaciones de las que aún no han sabido sacar el jugo al desquiciado autor.<br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikJH-E2PpTYaUp-efP1HgCMzT6gnsBsrIP3IXViwH9GdBoqdH9xPa1CKomR63_7_iHiiPJRISh4ZeSn8g-SAA1j76Zja1nOn25LknxaDACK0kIMRxItBJELwZcI8_HBGzd7IpfFMeTv0VJ/s1600/dale_tucker_vs_evil_movie_image_alan_tudyk_tyler_labine_02.jpg"><img style="display: block; margin: 0px auto 10px; text-align: center; cursor: pointer; width: 400px; height: 253px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEikJH-E2PpTYaUp-efP1HgCMzT6gnsBsrIP3IXViwH9GdBoqdH9xPa1CKomR63_7_iHiiPJRISh4ZeSn8g-SAA1j76Zja1nOn25LknxaDACK0kIMRxItBJELwZcI8_HBGzd7IpfFMeTv0VJ/s400/dale_tucker_vs_evil_movie_image_alan_tudyk_tyler_labine_02.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5576672767987308402" border="0" /></a><br />Para el viernes 4 se cuenta con un horario marcado por la violencia, la de Paul Andrew Williams (director de la pretendidamente descacharrante<span style="font-weight: bold;"> </span><span style="font-weight: bold;">The Cottage</span>) con<span style="font-weight: bold;"> Cherry Tree Lane</span>, cuya premisa promete un thriller a la altura del ya estrenado el año pasado <span style="font-weight: bold;">La Desaparición de Alice Creed</span>, y que personalmente incluyo entre lo mejor de aquella muestra. Continúa con el peculiar homenaje de Takashi Miike a Kurosawa con sus <span style="font-weight: bold;">Thirteen Assassins</span>, el que ya estuvo presente hace un par de años con la adaptación del videojuego Yakuza, y que parece seguir el esquema "clásica al comienzo, locura para el final." Y ya para golfear, <span style="font-weight: bold;">Tucker and Dale vs. The Evil</span>, parodia de los slasher americanos con rednecks luchando contra un mal sobrenatural y <span style="font-weight: bold;">Shadow</span>, otra muestra más de los efectos que el tema esotérico nazi ha causado en una generación de realizadores.<br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1vC6DGrJIECeAXhPGQxVbBUb1cEWAaTbRfrcTBF4wEesi4d8SGG9wRhMs9j9t_PtCCYquBWevzEZG7yfNy9etAPd_Oa-P6J3Aev0H6x45a7RMSQAcGRzZK8CFhaYe_co9_VbUdQesuDzA/s1600/Adam-Green-Hatchet2.jpg"><img style="display: block; margin: 0px auto 10px; text-align: center; cursor: pointer; width: 400px; height: 300px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1vC6DGrJIECeAXhPGQxVbBUb1cEWAaTbRfrcTBF4wEesi4d8SGG9wRhMs9j9t_PtCCYquBWevzEZG7yfNy9etAPd_Oa-P6J3Aev0H6x45a7RMSQAcGRzZK8CFhaYe_co9_VbUdQesuDzA/s400/Adam-Green-Hatchet2.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5576673088487413378" border="0" /></a><br />Para el sábado 5 destacar la ausencia de películas ligeras de buena mañana, y que recuerdo con especial agrado <span style="font-weight: bold;">Las Crónicas de Spiderwick</span> de otros años. Lejos de ligerezas, la jornada comienza fuerte con terror coreano de mano del director de <span style="font-weight: bold;">Dos Hermanas</span>: <span style="font-weight: bold;">I Saw the Devil</span> puede resultar un thriller no apto para quienes estén haciendo la digestión a esas horas. Si por poco fuera, Victor Crowley vuelve en la secuela de <span style="font-weight: bold;">Hatchet</span>, uno de esos éxitos que hacen bola de nieve y que espero no decaiga en una segunda parte inflándola de más de lo mismo. El detalle bizarro de la jornada llega de la mano de Dario Argento y su tan cacareada (en su momento) <span style="font-weight: bold;">Giallo</span>, más conocida como "la película del Brody y la Pataki". En este mismo blog se puede leer <a href="http://casaputas.blogspot.com/2009/05/cannes-2009-aquella-bizarra-y-extrana.html">una crónica</a> de chinocudeiro al respecto su pase por Cannes. Por último, una de terror francés sanguiloniento y retorcido con <span style="font-weight: bold;">Caged</span>*, para así irnos a la cama tranquilos.<br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRlFzied7IAqRRCRxanvQbIwDizZonFAvRQEc30F9l4mIQFsucKyr0Em5OazdRtP08wikXS4DUeawy8_76vNwwyn5EC_4eRnmRSelNN-L2FozTQklpPH-8pZMVETkcKyHqgaMTvIDWH4oH/s1600/thirst.jpg"><img style="display: block; margin: 0px auto 10px; text-align: center; cursor: pointer; width: 400px; height: 236px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhRlFzied7IAqRRCRxanvQbIwDizZonFAvRQEc30F9l4mIQFsucKyr0Em5OazdRtP08wikXS4DUeawy8_76vNwwyn5EC_4eRnmRSelNN-L2FozTQklpPH-8pZMVETkcKyHqgaMTvIDWH4oH/s400/thirst.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5576673407891952786" border="0" /></a><br />Por acabar, el domingo 6 disponemos de un auténtico tridente del mal rollo con <span style="font-weight: bold;">Thirst</span>, nueva muestra de Park Chan-wook bastante alejado ya de su trilogía de la venganza y que podéis leer sobre ella en el link anteriormente citado. Más terror y sadismo asiático con <span style="font-weight: bold;">Dream Home</span> y, por acabar, la confirmación de que Eli Roth se ha cansado de ser "el producido por" y ha querido a pasar a ser "el que produce a": <span style="font-weight: bold;">The Last Exorcism</span>, que recurre al excesivamente popular falso documental pero que, si tengo que hacer caso a las referencias, debería verla sí o sí para romperme viejos esquemas.<br /><br />*Edición a 3 de marzo: La exhibición de <span style="font-weight: bold;">Caged</span> para el sábado 5 se ve sustituida por <span style="font-weight: bold;">Dinocroc vs. Supergator</span>, englobada en la programación de <a href="http://minchinela.com/trashentreamigos/"><span style="font-weight: bold;">Trash entre amigos</span></a>.M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-59801785538993516192011-02-06T23:50:00.010+01:002011-03-04T03:39:35.438+01:0094 minutos con Boyle<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDMey8g8CAE68rRwJ-99H0FmhvURXAqhjS-JVrSfamcCq-Gh8qOVlT0JDUEuude43FxJB0E7IIehjf3sSw8BZHXSjR57ej7tVDpdiGWfuafRTcbI-8LJWfES0CabdFlmFQnTvbQzgNOBjq/s1600/jmfranco.jpg"><img style="float: right; margin: 0pt 0pt 10px 10px; cursor: pointer; width: 154px; height: 213px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDMey8g8CAE68rRwJ-99H0FmhvURXAqhjS-JVrSfamcCq-Gh8qOVlT0JDUEuude43FxJB0E7IIehjf3sSw8BZHXSjR57ej7tVDpdiGWfuafRTcbI-8LJWfES0CabdFlmFQnTvbQzgNOBjq/s400/jmfranco.jpg" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5576653728767169474" border="0" /></a>Uno debe admitir que el reto de enfrentarse a la nueva película de Danny Boyle ya le suponía un pesar, en tanto se trataba de una historia de superación personal que podría adoquinar el ya tedioso camino de las historias de superación personales; que, a su vez, salía de una película bastante más acomodaticia en contraste al resto de su filmografía como se trataba de <span style="font-weight: bold;">Slumdog Millonaire </span>(y de la que no me expondré a calificar de sobrevalorada cuando ya sólo la comparación la define) y que, para colmo de todos los males, contaba con el total apoyo de una industria que llevaba intentando hacer suyos sus valores tras todo el reconocimiento salvaje que recibió en el 2009. Sin embargo, y en una de esas sorpresas que atacan directamente al prejuicio y hacen que uno se plantee la (in)utilidad de tales presunciones, <span style="font-weight: bold;">127 Horas</span> se ha destapado como quizás el film más rabiosamente vitalista, que no almibarado; hermoso, que no esteticista; y sobre todo carente de moralinas o intenciones sermoneantes cuando todo parecía indicarlo.<br /><br />Danny Boyle (1956, Manchester, UK) probablemente se trata de la figura más esquiva de los realizadores británicos surgidos de una televisión carente de ataduras. Ya desde el éxito de <span style="font-weight: bold;">Trainspotting</span> se le intentó atar en corto, aprovechar su imaginería visual (siempre justificada) en pos a producciones más taquilleras como la cuarta entrega de la saga <span style="font-weight: bold;">Alien</span>. Sin embargo, Boyle se resistió hasta el bacatazo de <span style="font-weight: bold;">La Playa</span>, un interesante desastre donde la desmedida ansia del estudio por buscar el taquillazo supremo llevó a promocionarla en base a su estrella, Leonardo DiCaprio, desconcertando a un público que no esperaba algo así en el cine, y que para más inri supuso la ruptura de Boyle con su actor fetiche Ewan McGregor. Con todo, supo recuperarse volviendo a producciones pequeñas y un absoluto control creativo tocando diversos géneros, bifurcando a sus intereses lo más popular: el terror en la angustiosa <span style="font-weight: bold;">28 Días Después</span>, la space opera de personajes en <span style="font-weight: bold;">Sunshine</span> o el drama social británico con tintes de comedia en <span style="font-weight: bold;">Millones</span>.<br /><br />Quizás por ello <span style="font-weight: bold;">Slumdog Millonaire</span> chocara en sus resultados, tratándose de una producción precaria sin mayor apoyo que el que llegaría a posteriori tras la popularidad que por su propia cuenta iba cogiendo. Que una película donde los temas a tratar fueran de una forma liviana, fácil y sin los matices que Boyle suele imprimir en todas sus películas no presiagaba nada bueno si conseguía tener éxito... Éxito que se tradujo en el aluvión oportuno de óscars y en una distribución internacional vendiendo con ello la moda Bollywood como si no hubiera existido antes.<br /><br />Ante ese panorama, <span style="font-weight: bold;">127 Horas</span> se rebela: Boyle vuelve a un cine visceral al límite, que ataca a a los sentidos con un montaje donde injertos de anuncios de refrescos te dejan bien claro en la garganta que el protagonista tiene sed o el empleo del sonido como clave para sentir lo punzante del dolor. A un nivel más interno, los recursos de los que dispone Boyle para representar los recuerdos como defensa ante una situación límite parecen ilimitados; tanto que, una historia que podría haber dado poco de sí en otras manos, se hace incluso corta ante el personaje que Boyle y un titánico James Franco perfilan. A través de lo únicamente sensitivo consiguen que el espectador profundicen en la psique de alguien en una situación extrema, que va tomando conciencia del valor de su propia vida, y que detecta que en el mayor problema de la misma reside la clave para ser liberado.<br /><br />Porque<span style="font-weight: bold;"> 127 Horas</span> esconde algo más que un simplista mensaje sobre el valor del vivir: más bien se plantea la búsqueda de razones por las que vivir, y sólo cuando una piedra te hunde más y más en tus intentos por salir uno puede hacer criba de todo ello. En cierto modo no se aleja tanto de sus otras muestras de personajes en situaciones difíciles, cuya búsqueda de motivos vitales también resultan igualmente tortuosas aún con resultados diferentes.<br /><br />Quizás la diferencia está en que Aron Ralston ha sabido encontrar el motivo a costa de una parte de sí mismo, a todos los niveles. Ya sólo por ello merece la pena confiar en un Boyle que sigue igual de esquivo que siempre.M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-81690826947731433732010-06-09T04:50:00.004+02:002010-06-09T05:03:49.805+02:00El ver y el comerEl estudio de los rituales es uno de esos temas recurrentes en el análisis de la historia de la humanidad pero, a su vez, resulta uno de los más fugaces e infravalorados. Por una parte es comprensible: una película histórica difícilmente puede llegar a serlo plenamente puesto que, por una simple cuestión de comprensión, se adaptan comportamientos actuales a hechos pretéritos. Somos hijos de nuestro tiempo. Los procesos mentales de antaño que desembocarían en una rebelión en la antigua Roma difícilmente podrían plasmarse literaria, cinematográficamente exactos; sería fácil convertir al bueno de Espartaco en un tirano déspota de ese modo, y lo que queremos ver como una bella alegoría de la libertad, quedaría eclipsado por la razonable barbarie de aquel momento de la historia.<br /><br />Del mismo modo, el cine se ha ido adaptando. Los rituales alrededor del cine han cambiado. Quizás un año de blog en dique seco no merecía que desembocara en tal perogrullada, pero es precisamente esta idea tan asentada lo que me lleva ahora a reflexionar sobre el momento en el que se abrió, o las causas del por qué lo hizo.<br /><br />Aquí se habla de cine. El "y poco más" tampoco tiene mucho sentido: puro y duro cine, preferiblemente películas, pero algún dato que otro sobre el mundillo tampoco se escapa. Pero al igual que aquí se habla de cine, en muchísimos otros sitios se habla de cine; quizás llegue el momento de hablar del <span style="font-style: italic;">por qué se habla de cine</span>, y marcar alguna nueva base propia para futuros análisis. En el momento que internet irrumpió en el sector no resultaba difícil preveer lo que se venía encima, aunque ha sido la imprevisibilidad la que ha marcado los cambios en los rituales del espectador: lo que en principio prometía una diversificación de opiniones y una sana individualización del factor crítico, a día de hoy ha desembocado en corrientes de opinión estipuladas. Blancos y negros. También la posibilidad de indagar en diversas fuentes (hasta entonces reservadas en hemerotecas, conferencias; largos paseos en definitiva) se ha institucionalizado de tal manera que un acto de investigación se convierte en algo instantáneo por medios que poco aguantarían el contraste con otras referencias. Tan solo hay que echar un vistazo a diversos blogs (algunos inmensamente populares) donde el repaso de la cartelera no pasa de ser elegías puras y duras o destrucciones sistemáticas hacia el film de turno adornándolo, eso sí, de cantidad de datos respecto a los profesionales involucrados e intentos de mantener una coherencia película-carrera de forma vanal. De esta forma se ha venido creando esas fuentes de opinión, que destruyen el concepto de opinión en tanto se tratan de elecciones cerradas sobre si al espectador le gusta o no le gusta tal película.<br /><br />Esto es más viejo que el cagar sentado. De siempre el cine se ha bifurcado entre quienes extraen un mensaje de él, y entre quienes quieren disfrutar de un mero entretenimiento. Este último objetivo, injustamente pisoteado por quienes se consideran élite, se ha intentado maquillar vendiendo inconscientemente la idea de que tanto el que guste como el que no se tratan de un análisis concienzudo hacia la película, polarizando hacia alguno de los dos extremos el sentido crítico del espectador, imposibilitando un debate enriquecedor ante el prejuicio constante de estar situado en uno de los dos bandos. Cuesta encontrar foros de opinión donde el asunto no desemboque en algún tipo de trifulca sin sentido a causa de algo tan básico como que uno disfrute o no, cuando lo más lógico e interesante sería tensar el hilo por los mensajes que la película, al margen de una valoración instantánea y no reflexionada, ofrece. El último eslabón de la película, el espectador, se encuentra entonces en una encrucijada de la que no suele ser consciente: si darle forma a una opinión subyacente o bien unirse a una de esas corrientes, que a tenor por lo que se puede encontrar por la red, termina siendo más fácil y gratificante. Sin embargo, desarrollarse una opinión acerca de una película puede llegar a ser adentrarse en la niebla que ha ido bajando desde que la red se ha impuesto.<br /><br />La accesibilidad es absoluta. El mainstream se respira, el independiente se toca, lo desconocido se puede llegar a agarrar estirando el brazo. Lo que antes podría ser una emocionante (y en la mayoría de las veces, frustrante) búsqueda de films ocultos por videoclubs o salas esquinadas en la capital, ahora es cuestión de un click. No desprecio el fenómeno: gracias a ello, he podido completar líneas de autores que me han dado una visión más interesante de ellos, incluso caer por casualidad en alguna película que me ha marcado de algún modo. El lado negativo reside en la saturación, en la inmensa cantidad de datos que nos llega y que nos puede obligar peligrosamente a ser selectivos en una suerte de división expeditiva con tal de acumular visionados. El espectador, el que disfruta del cine, puede caer en la desidia mental y obviar el análisis necesario para extraer todo el jugo de muchas de las películas que ve; incluso el fenómeno de ver una película antes de su estreno y comunicarlo al resto por diversas redes sociales termina condicionando al resto, creando una especie de conciencia global ya condicionada ante la cartelera que se avecina. He aquí una problemática: lo que podría ser una recomendación sin más va mutándose hacia un juicio de valor ligero, volátil, pero que con el debido adorno se adopta como tal; un juicio que imposibilita sacarle chicha a la película y que se vierte en el afán de las productoras por editar montajes extendidos en un intento de que alguna termine convirtiéndose en clásico. Difícilmente puede llegarse a tal estatus cuando no ha existido una reflexión honesta de fondo por parte del espectador, y la ligereza con la que <span style="font-style: italic;">obra maestra</span> se usa para films que se olvidan a los pocos meses es una muestra de ello.<br /><br />Otras demostraciones del carácter instantáneo y perecedero que ha tomado la industria en estos años puede traducirse en el alzamiento sistemático de películas intrascendentes, maniqueas y superficiales, que no pasarían de meros (y fabulosos) entretenimientos de no ser por el <span style="font-style: italic;">debate</span> que crean alrededor de unos valores poco o nada desarrollados. No hablo simplemente de la action-movie ecologista, la épica fantástica pretendidamente humanista o el bélico farragoso; también el mal llamado cine independiente se ve envuelto en un halo de intelectualidad nacido de la simple exposición de unas ideas, pero que simplemente son eso: exposiciones. Ese espectador aletargado por el contínuo bombardeo de información asume como contracorriente lo que, precisamente, se trata de una de las claves de toda corriente. Es el negocio perfecto: considérate independiente, por eso mismo te lo envolvemos y te hacemos creer que se trata de eso. Indiferentemente de los millones invertidos o los temas tratados, un autor que así podría considerársele procura introducir algún tipo de sustancia en sus films al margen de todo lo externo; sin embargo resulta usual ver razonamientos basados en la producción, los estudios o la vida personal de los actores -!- para valorar o despreciar una producción. Al final, una película resulta siendo menos culpable de su aceptación por factores al margen que por sí misma.<br /><br />En este panorama, surgen todo tipo de iniciativas a priori interesantes pero que, como ya he expuesto, cuentan con su propio reverso. Lejos de analizar el fenómeno de los <span style="font-style: italic;">fake trailers</span> y otros juegos de metacine (que, sorprendetemente, se analizan como si de otras películas se trataran en foros y demás corrillos), sí poner en relieve la tendencia cada vez más extendida de sacar una producción adelante por medios al margen de los sistemas de financiación habituales. Tal y como explicaba sobre la irrupción de internet en el mundo del cine, la imprevisibilidad reina sobre cualquier lógica que pueda atribuirse al fenómeno. Sobre el papel resulta reconfortante. Producir una película entre los propios espectadores. Eliminar intermediarios ¿El poder para el pueblo? Quizás. Sin embargo, uno no puede dejar de sorprenderse por el éxtasis que puede provocar entre quienes lo apoyan la idea de una película <span style="font-style: italic;">que aún no existe</span>, un producto que aún no se puede analizar ni valorar, pero que ya por el hecho de apoyarse en tal sistema cuenta con una especie de valor añadido como película. Valoro enormemente el trabajo y esfuerzo de quienes se buscan las habichuelas de tal modo y de quienes juegan limpio, sin cortapisas, dejando claro en qué consiste el tema; pero luego uno observa el frenesí que provoca una película no rodada y uno no sabe si asustarse. Por una parte los espectadores, en parte productores, pueden salir escaldados ante una película que no alcanzan sus objetivos; por la otra, los realizadores tendrían que atenerse a algún tipo de explicación totalmente innecesaria en tanto que la película ya existe y que, como tal, debe ser juzgada por uno mismo sin influencias pasadas, presentes o futuras. Porque de eso se trata, de una película. Los valores del trabajo hasta llegar a ella se quedan ahí. Evidentemente, esto no deja de ser una reflexión ante esa imprevisibilidad que tanto he remarcado a lo largo del texto.<br /><br />Quizás alguien piense que quien suscribe esté desengañado sobre lo tiempos que vivimos como espectadores y lo que se nos viene encima. Es probable. Pero con todo se vuelve a hablar de cine, y con eso basta.M.A.Serralvohttp://www.blogger.com/profile/13229728273691984945noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-9122241642654345052009-05-20T18:03:00.013+02:002009-05-20T20:52:08.737+02:00Cannes 2009: De Tarantino a Raimi. Dos maneras de reinventarse<a href="http://hwhills.com/wp-content/uploads/2009/02/inglourious_basterds_poster1.jpg"><img style="margin: 0px 10px 10px 0px; float: left; width: 399px; height: 584px;" alt="" src="http://hwhills.com/wp-content/uploads/2009/02/inglourious_basterds_poster1.jpg" border="0" /></a>Perdón por la no actualización durante el día de ayer. Créanme que fue el más conflictivo de los 3 años que llevo aquí en Cannes. Un piquete de huelga dejó sin luz a buena parte de la ciudad y a mí me tiró por tierra todos mis planes que pasaban por ir al mercado a revisar un par de títulos y una actualización con tan sóla una película, <strong><em>Vincere</em></strong>, no procedía, la verdad.<br /><br />Dígamoslo ya, a falta de unos pocos días y películas para completar el festival, esto no lo salva ya nadie. No existe ningún indicio que en competición se vaya a encontrar tan siquiera una película que sobrepase el notable. Haneke y Tsai Ming Liang parecen las últimas esperanzas pero yo como cronista ando tan desesperanzado que no pondría la mano en el fuego por ninguno de los dos. Se puede decir, y espero equivocarme, que la competición de este año es la más floja en decadas.<br /><br />Tarantino era el hombre indicado para levantar el festival. Su nueva película era lo suficientemente esperada como para en un hecho inaudito, llenar dos salas en su pase para la prensa. A las 8 de la mañana no quedaba un asiento libre en un cine de más de 2000 butacas. Algo que a riesgo de equivocarme debe ser de las pocas veces que ha pasado en la historia del certamen.<br /><strong><em></em></strong><br /><strong><em>Inglorious Basterds</em></strong> es el certificado de defunción del Tarantino pre <strong><em>Death Proof</em></strong>. La ruptura definitiva con una narrativa más o menos convencional y la irrupción de un nuevo Tarantino que parece ser la esencia pura del anterior concentrada en grandes frascos. Lo malo de las esencias puras es que funcionan en pequeñas cantidades. De la misma manera que Von Trier ha venido a provocar con su Anticristo, el director de Kill Bill, ha venido a eliminar de un plumazo todos los convencionalismos del cine bélico de la segunda Guerra Mundial. Ya no es que su película se adhiera a la nueva ola de revisionismo del papel judío durante el conflicto, es que lo derriba de una patada. <strong><em>Inglorious Basterds</em></strong> no es la <strong><em>Valkiria </em></strong>versión Grindhouse, sino es que es la nemesis que pretende canibalizar y ridiculizar a la obra de Singer (donde se dice Singer, bien se podría decir Spielberg o tantos y tantos directores empeñados en repetir tópicos y conceptos durante más de una decada). Pero si por algo destaca la nueva obra del cineasta de Tennesse es por ser su mayor poema hacia el mundo del cine que juega un papel fundamental dentro de la su obra. La desligación narrativa llega a tales extremos que la película, divivida en 5 extremos y con constantes elipsis temporales entre ellas, acaba por ser reducida espacialemente a las estancias donde estas ocurren. Así, en el primer capítulo asistimos a la presentación del Coronel Hans Landa, auténtico descubrimiento del film, encerrado en una pequeña cabaña somentiendo a un interrogatorio a un granjero francés.<br />Film complicado de valorar y que supone una nueva reinvención en toda regla de un autor dispuesto a nunca encasillarse. Habrá que esperar al montaje definitivo para grabar a fuego nuestra opinión.<br /><br />Si Tarantino se somete a un necesario ejercicio de riesgo en cada película, Sam Raimi se acobarda con cada ejercicio de estilo. Arropado por la protección que le daba la seguridad de encontrarse en una franquicia fílmica, ha decidido tras su decepcionante pero interesante Spiderman 3, refugiarse en el género que le vio crecer. <strong><em>Arrástrame al infierno </em></strong>es la versión infantilizada y mainstream de su trilogía Evil Dead. Un cuento PG 13 que deja de relieve la poquísima garra que tiene Raimi a la hora de crear tensión y como recurre a los sustos auditivos y visuales ante la carencia de atmósfera. Es de agradecer la contundente fisicidad y la abundancia de fluidos con la que se riega la cinta, pero es que al fin y al cabo no deja de ser un estirado cartoon de Tex Avery que no deja precisamente en buen lugar a su director, al que su paso al mainstream ha domesticado hasta límites insospechados hace años.<br /><br />Enric González, columnista habitual del diario El País y escritor del libro Historias del Calcio, realizaba una radiografía del país transalpino a través del fútbol con el fin de comprender la idiosincracia de la nación a través de su deporte rey. En uno de sus capítulos, reflejaba como fútbol y política se podían entremezclar y diferir entre sí, hasta el punto de que diversos miembros del gobierno simpatizaran con ideas de izquierda y apoyaran a equipos de marcado caracter fascista. Entender el Calcio es entender a Italia y entender Italia es necesario para entender la mejor película mostrada hasta la fecha en competición, el <strong><em>Vincere</em></strong> de Marco Belloccio. Film desmesurado, casi operístico, a la altura del personaje que retrata (es la historia de la amante de Benito Mussolini), hecho desde las tripas, muy pasional, en definitiva muy italiano. La basculación entre el homenaje fílmico y el tratado documental de las imágenes- ya sea a través de la inclusión de diferentes imágenes panfletarias o como la Mussolini es retratado en la segunda mitad del metraje unicamente mediante imágenes documentales- sienta de maravilla a una película que acaba por ser una extraña e ilógica respuesta italiana al clasicismo desmedido de <strong><em>El Intercambio</em></strong> de Clint Eastwood.<br /><br />Varios comentarios breves:<br /><br /><ul><li><strong><em>Les Herbes folles</em></strong> de Resnais: El veterano realizador francés juega de manete interesante con las concepciones del noir clásico en el enésimo homenaje al cinematógrafo que vemos este año. Desgraciadamente su paso por la comedia es tedioso y aburrido. Tan sólo el público francés pareció reaccionar ante los chistes de la película. Su marciano final anima la función pero no lo suficiente como para salvar el resto.<br /></li></ul><ul><li><strong><em>Looking for Eric</em></strong> de Ken Loach: Vista tarde pero a tiempo. Salvando las distancias de volver a encontrarnos con un film con las mismas cuestiones temáticas rancias de la ultima filmografía de Loach (¿para cuándo el despido fulminante de Laverty?), es una película agradable en su concepción de cuento de hadas y en la cotidianidad de sus imágenes y personajes. Por supuesto, la increíble presencia de Eric Cantona hace mucho. En cierta manera la película parece una secuela del <em><strong>Millones</strong></em> de Danny Boyle.<br /></li></ul><ul><li><strong><em>I Love you Phillip Morris</em></strong>: Presentada en la Quincena de Realizadores. El acierto definitivo de los antaño guionistas Ficarra y Requa, que parecen haber olvidado los errores de sus anteriores trabajos - Bad Santa y Una pandilla de pelotas- para presentar la historia de un Jim Carrey convertido en parásito social y aprovechándose del sistema para vivir una confortable vida de gay. Amoralidad y amor se dan la mano en una película que no ha debido convencer del todo a la estrella de Hollywood que decidió no acudir a la presentación de la misma en el pase nocturno de la Quinzena.</li></ul>PD: El cansancio se acumula y lo puedo notar en el desgaste de mis textos. Espero que el lector me sepa perdonar.<br /><br />PD2: Aficionados al género fantástico, apunten otro nombre: <span style="font-style: italic; font-weight: bold;">Pontypool </span>de Bruce McDonald.chinocudeirohttp://www.blogger.com/profile/11365267310227413739noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-61186647254024202472009-05-18T15:06:00.017+02:002009-05-18T20:15:43.806+02:00Cannes 2009: Y Von Trier se sacó la polla<a href="http://www.iwatchstuff.com/2009/04/28/antichrist-poster.jpg"><img style="margin: 0px 10px 10px 0px; float: left; width: 365px; height: 500px;" alt="" src="http://www.iwatchstuff.com/2009/04/28/antichrist-poster.jpg" border="0" /></a><div></div>... y nos meó a todos, aunque me queda la duda si fue una meada o una eyaculación furtiva. En un festival, donde hasta el momento el tedio irrumpe la gran mayoría de las proyecciones, que Von Trier haya decidido indignar de sobremanera a las plateas, me parece un ejercicio de soberana genialidad. Digámoslo claro, <strong><em>Anticristo</em></strong> es una basura de película, una revisión psicoterapeutica de los torture porn de Eli Roth, James Wan o Darren Lynn Bosumann. Ni siquiera las intenciones pictóricas del danés, que trata por todos los medios de recrear el infierno al más puro estilo Milton, William Blake o incluso Goya, dan algo de patina de calidad a la película, sobretodo cuando se abusa de un aintiestético zoom digital y se eligen esos encuadres aberrantes.<br /><br /><br />Nunca un personaje acabó más parecido a su parodia, el Von Trier de Anticristo acaba siendo engullido por Von Trier encarnado por Joaquín Reyes. Los postulados fílmicos que hacía gala el manchego es su imprescindible Celebrities, acaban por resultar verdades irrebatibles una vez vista la película. Charlotte Gainsbourgh se pasea desnuda por el bosque gritando "Bastard" y es imposible no recordar las palabras de Reyes sobre <em><strong>Los Idiotas</strong> </em>y el lucimiento de "choteras" justificado por el guión.<br />Sabedor de su papel de agitador oficial del cine europeo, el cineasta decide ofrecer un ejercicio fílmico interactivo que pone a prueba al crítico y su capacidad de reacción ante un film decididamente aleatorio. Para el recuerdo dos planos: un zorro mirando a cámara para interpelar "<em>Chaos Reigns (El caos reina)"</em> y la dedicatoria final hacia Tarkovski.<br /><br />Ayer tuve el grave desliz de no comentar nada, falta de sueño y lucidez one more time, de una de las películas que mejor recibimiento ha tenido y que de momento encabeza el cuadro crítico de Variety. <strong><em>Un prophete</em></strong> es la nueva película de Jacques Audiard, realizador hasta ahora casi ejemplar y que había destacado con la magnífica <strong><em>De latir mi corazón se ha parado</em></strong>. Su nueva película es un drama carcelario sobre un joven musulmán, delincuente de poca monta que llegará a convertirse en un auténtico hampón del crímen. Realizada con pulso y buen tino narrativo, de hecho se acoge a todos y cada uno de los cánones de este particular subgénero, el tono liberal reaccionario de la película y su absoluta falta de innovación acaban lastrando un producto que como digo está rodado con un buen hacer casi intachable. La idea de que el individuo alejado de la soceidad y que a través de su inserción en los mecanismos gubernamentales (prisión) acabe siendo corrompido por ellos hasta convertirse en un peligro por la sociedad es simplemente deleznable. Audiard comentó en la rueda de prensa sobre su inspiración en las series de televisión americanas, algún crítico rescató que la película bebía de <strong><em>The Wire</em></strong> (ultimamente todo bebe de la creación de David Simon, lo que tienen las modas...), yo creo que ni siquiera llega se puede acercar a<strong><em> Oz</em></strong> y que acaba convertida en un nuevo <strong><em>El precio del poder</em></strong> para los jovenes musulmanes de los suburbios de Marsella. Roba lo que quieras, pues el sistema te ingresará en prisión y te dará la posibilidad de convertirte en un "gangster". Aquí no existe el castigo, la oportunidad de redención o el peso de la culpabilidad, el final acaba glorificando la violencia y los hechos concurridos, el mal ha triunfado y con una legión de fieles soldados dispuestos a seguir sus pasos. Film muy peligroso ideológicamente.<br /><br />¿Por donde empezar con <strong><em>Agora</em></strong>? No lo sé. Podría comenzar diciendo que Amenábar ha creado un nuevo género llamado Peplum Pagafantas. Podría decir que la ensimismación del chileno (¿Conviene cambiarle de nacionalidad según convenga su éxito o su fracaso?) con la astronomía me recuerda a la del niño que acaba de visitar el planetario y sueña con ser astronauta o que la complejidad de las tramas entre personajes está cerca de cualquier película de instituto. Me cuesta encontrar algo salvable en <strong><em>Agora, </em></strong>su mensaje pacificador entre religiones y credos es tan bienintencionado como ridículo -continuemos con la alegoría del niño que en este caso quiere salvar el mundo pidiendo que todos sean buenos-, la revindicación de una figura histórica femenina queda solapada por el empeño ridículo de Amenábar de dar una lección histórica de astronomía (si bien habría que recordar tanto a Gil como Aménabar que dar cierta veracidad histórica y situar la existencia de Hipatia en la Biblioteca de Alejandría son cosas contrarias). Todo acaba confluyendo cuando Amenábar explica que lo más complicado del proyecto fue encontrar el título y que Agora le resultó perfecto por ser el centro donde se reunían todas las religiones a discutir sus postura. Una metáfora tan tontorrona como el mensaje final de convivencia de todos los pueblos.<br />Amenábar ya ha tenido su capricho, rodar una película de época con gran presupuesto, con otra estrella internacional de carrera sólida y ha gastado 140 minutos de metraje para hacer su propio juguete sobre su nueva obsesión: la astronomía. En el fondo su jugada no difiere mucho de la de Ridley Scott en <strong><em>El Reino de los Cielos</em></strong>, dirigir épicas abigarradas en desuso y combinarlas con mensajes liberales del siglo XXI que calen de manera fácil y nada sutil. Si me obligan a quedarme con algo, es con la interpretación de Max Minghella, que salvo a base de miradas y contención un personaje tan aburrido y plano como toda la película.<br /><br />Al final Nobuhiro Suwa salva mi día y puedo coger el último pase del mercado para ver <em><strong>Yuki y Nina</strong></em>, una deliciosa historia de realismo mágico. Donde Miyazaki y Naomi Kawase parecen darse la mano.<br /><br />PD: Se rompe el mito de las fiestas del festival. Acudo a la fiesta de estreno de Agora y acaba resultando tan desarbolada como la propia película. Mucho periodista español dispuesto a aprovechar malamente la barra libre, cubatas calientes y escasa comida. La recesión no tiene nada que ver, creo que las míticas fiestas de Cannes deben ser como los mundiales de futbol para Uzbekistán, pasa una cada cuatro años y nunca estaremos invitados. Al menos aprovecho la fiesta para saciarme de alcohol y charlar brevemente con Darren Aronofksy.chinocudeirohttp://www.blogger.com/profile/11365267310227413739noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-80577527536003106982009-05-17T14:58:00.009+02:002009-05-18T17:22:25.471+02:00Cannes 2009: Mother Lover<a href="http://wildgrounds.com/img/news/motherposter-1.jpg"><img style="margin: 0px 10px 10px 0px; float: left; width: 372px; height: 536px;" alt="" src="http://wildgrounds.com/img/news/motherposter-1.jpg" border="0" /></a>Ya lo cantaban Andy Samberg y Justin Timberlake hará un par de semanas en el SNL, - <em>I´m a Mother Lover, youre a Mother Lover. We should fuck each others mothers</em>- sólo nos acordamos de las madres a la hora de mentar a las ajenas. En Cannes, dos películas se han encargado de revindicar la figura materna y su arraigo para con sus congéneres.<br /><strong><em>Mother</em></strong>, la nueva película de Bong Joon Hoon es la crónica de un triunfo casi anunciado. El asentamiento dentro de los grandes de un director que pese a la irregularidad de su última película, <strong><em>The Host</em></strong>, sus aciertos siempre acaban imponiéndose a sus pausibles defectos. La historia de una madre coraje que persigue la inocencia de su hijo, un adolescente con una llamativa discapacidad especial, permite el realizador surcoreano seguir explorando en las capacidades del noir asiático y mezclar de una manera brillante comedia y drama, solidificando así un estilo propio que había ido construyendo durante sus primeros trabajos.<br />Drama, culpabilidad, redención, el peso del pasado, la necesidad de lucha del individuo frente a la sociedad jerarquizada, críticos hacia los estamentos de la policía koreana - algo que viene siendo muy habitual en el cine de género como pudimos observar en la reciente <strong><em>The Chaser</em></strong>, aparte de toda la filmografía de Joon Hoo-, sociedades corruptas y pasivas o la importancia de la familia se dan de la mano en una película que merecería haber sido seleccionada en la Sección Oficial. Boon Joon Hoo se sitúa en esa peligrosa zona templada de la clasificación autoral donde se es lo suficientemente conocido para no ser considerado nunca un descubrimiento y no se es lo suficientemente prestigioso para que te aplaudan hagas lo que hagas. Si existe un cine invisible, tambien deberían existir los autores invisibles.<br /><br /><strong><em>Grace</em></strong> también es un homenaje a la figura materna, pero al contrario que su colega surcoreano, Paul Solet decide decantarse por el mundo de terror para abordar la figura maternal. Problablemente desde <strong><em>Vinyan, </em></strong>otra película sobre el patriarcado maternal, no me sentía tan perturbado en una sala de cine. Jordan Ladd, actriz fetiche de Eli Roth y que también apareció en el <strong><em>Death Proof</em></strong> de Tarantino, es una madre que tras diversos abortos consigue quedar por fin embarazada hasta que un trágico accidente provoca la muerte de su marido y que su hija nazca muerta... hasta que milagrosamente vuelve a la vida tras los esfuerzos de su madre.<br />El sorprendente debut de Paul Solet - anteriormente rodó un corto de mismo título que es la genesis de este proyecto- es una espiral insoportable de visiones donde realidad y pesadillas se confunden siendo imposible distinguar los distintos planos, donde el tiempo se detiene para no existir y relegar el metraje a un mero bucle dantesco al más puro estilo David Lynch. Homenaje en toda regla al género femenino, con personajes nada estereotipados y con distintos perfiles de madres y mujeres que acabarán topándose de bruces con la tragedia en un visceral final. Pequeña gran joya del cine indie de terror norteamericano que sigue deparando grandes sorpresas año tras año.<br /><br />Por último, esta mañana se ha proyectado <strong><em>Vengeance </em></strong>de Johnnie To, que curiosamente también versa sobre una figura familiar, en este caso, un padre que está dispuesto a vengar la muerte de su propia hija y su familia.<br />La falta de sueño, la abundancia de cansancio y la mezcla de ideas de las diversas películas que se van acumulando durante el festival me hace casi imposible ejercer un juicio acertado sobre la película. ¿Nos encontramos ante un To en horas bajas ejerciendo de cineasta apagado o por el contrario se ha marcado una suerte de homenaje parodia al polar francés decididamente crepuscula? De la misma manera no acabo de saber si la presencia de Johnny Halliday es un lastre para la película - para la vista no me cabe duda a tenor de sus horribles operaciones estéticas- o el cineasta hongkonés ha ejercido una operación tremendamente similar a la de Darren Aronofsky en <strong><em>El luchador</em></strong>. El tono decididamente socarrón, rozando la total absurdez, sobretodo en el desenlace de la película, me hace sospechar que hay mucho más de lo que aparenta en un primer visionado, y que tras la apariencia de una shoot em up movie de difícil brío y dudosa calidad puede que nos encontremos ante la enésima revisión del western de Sam Peckinpah con el héroe más crepuscular y apagado de la historia del cine reciente. Un segundo visionado aclarará dudas.<br /><br />Me niego a acabar la crónica sin comentar dos cosas. Mi absoluta falta de previsión y compatibilidad de horarios ha hecho que me pierda una de las películas que tenía apuntadas como fijas del festival, <strong><em>Yuki & Nina</em></strong> de Nobuhiro Suwa. La ley de Murphy dice que la película debe rayar a una gran altura. Espero poder a acceder a ella en un futuro pase de mercado aunque me da que ya los he perdido todos.<br /><br />2.- No puedo acabar sin comentar muy brevemente y espaciar a mañana al tremendo batacazo de Aménabar y Agora. No me gusta hacer leña del arbol caído, y en el caso de Aménabar hay mucha ave de rapiña que no duda en despedazarlo a la más mínima oportunidad y necesidad, y el resultado se venía venir de lejos, pero creanme que el producto final es mucho más aberrante de lo que cualquiera podría imaginar. No hay absolutamente nada salvable y pequeño anticipo, la posición del chileno como demiurgo universal y planetario de la historia. Y lo que más me jode de todo es que es la película que me ha hecho perderme la de Suwa, pero uno se debe antes a cuestiones laborales que a puramente cinéfilas.chinocudeirohttp://www.blogger.com/profile/11365267310227413739noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-8339212772009580911.post-77935990549092413152009-05-16T15:54:00.012+02:002009-05-18T17:23:08.675+02:00Cannes 2009: Hippies, Astronautas y Cintas de vídeo.<a href="http://www.cinempatia.com/cine/uploads/images/woodstock-c.jpg"><img style="margin: 0px 10px 10px 0px; float: left; width: 325px; height: 500px;" alt="" src="http://www.cinempatia.com/cine/uploads/images/woodstock-c.jpg" border="0" /></a>Cannes ansía el cine americano. La crítica que normalmente afila sus garras y colmillos durante el resto del año, espera a los festivales a congratularse con el cine que llega desde Hollywood. Sólo así es plausible explicar como la última película de Ang Lee salió victoriosa de su envite con la prensa y recibió una calida e inmerecida ovación.<div><strong><em>Taking Woodstock</em></strong>, es la reconstrucción más o menos fidedigna, en torno de comedia de la organización del famoso festival del que este año se celebra el 40º Aniversario. La elección del realizador taiwanés se antojaba perfecta para continuar su particular radiografía de los entresuelos de la comunidad americana e incluso imaginarla como una pseudoprecuela de <strong><em>La tormenta de hielo</em></strong>, precisamente su única película a competición en Cannes hasta el día de ayer.</div><div></div><div>El problema es que la comedia de Lee es más chillona que elocuente, y todo queda reflejado en el personaje de Imelda Stauton, madre del protagonista y una vieja bruja rusa y judía obsesionada por el dinero y por cobrar de más a los huéspedes de su hotel y que supuestamente contiene los momentos más memorables de la película, entre los que circulan varias patadas en los huevos y una decena de ahuyentamientos a los hippies. Lee, uno de los cineastas más geniales e innovadores de la escena contemporánea, se muestra terriblemente apagado en su recreación de la época, usando los consabidos cambios de formato para afirmar el tono de pseudodocumental histórico y volviendo a usar la pantalla partida con resultados desastrosos. Mención aparte merece el desastroso viaje lisérgico del protagonista. Un punto de fuga que tendría que haber resultado vital para personaje y película y que acaba resultando ridículo y alargado. Probablemente donde triunfe inconscientemente Lee sea en el derrumbe del sueño americano de libertad y demostrar que bajo la carpa de un gran acto que supuestamente cambió el mundo no hay nada, solo queda barro. Exactamente igual que en la película.</div><div>Siempre nos quedará Dewey Cox para escapes anfetamínicos y <strong><em>Die Hippie, Die</em></strong> de South Park</div><div></div><div></div><div></div><div></div><div><br />También dentro de la Sección Oficial, Jame Campion estrenó su <strong><em>Bright Star</em></strong>, hagiografía de los últimos días del poeta John Keats y su relación con su vecina, Fanny Brawne. Exacerbadamente clásica, la realizadora neozalandesa continua las pautas narrativas de las teleseries de la BBC basadas en las obras de Jane Austen que los nuevos trazos que adquirió el cine de época con la llegada de Joe Wright (<em><strong>Orgullo y Prejuicio</strong></em>, <strong><em>Expiación</em></strong>). La intimidad de la pareja, un amor imposible cercano a la vez que distante y una confianza plena en los textos de Keats, que son salpicados y recitados cada vez que se tiene la ocasión son las bazas de una Campion que pese a la pomposidad con la que construye las escenas nunca ofrece un verdadero empaque visual a la película más allá del mencionado recargo bucólico. Tampoco ayuda la sobrecargada banda sonora a mejorar el producto.</div><div></div><div></div><div></div><div></div><div><br />Que una película como <em><strong>Precious</strong></em> se vaya a convertir en una de las grandes sensaciones de la temporada - no en vano, dos de las distribuidoras más reptiles de América como son Lionsgate y Weinstein Co se han enzarzado a pleitos por los derechos de distribución-, sólo se puede explicar en una sociedad en plena crisis de valores. El caso de la película es exactamente idéntico al de <strong><em>Slumdog Millonaire</em></strong> de Danny Boyle, su éxito solo tiene cabida entre un público occidental que está deseoso de revolcarse en la mierda de los menos privilegiados siempre y cuando esa mierda no los salpique. Mientras la protagonista o protagonistas, tengan un hilo al que aferrarse o una esperanza en la vida, todo vale. Por eso, la joven Precious, una enorme joven afroamericana, sufre todo tipo de vejaciones por parte de su madre, es violada por su padre y como consecuencia engendrará a dos hijos, uno de los cuales resultará tener el sindrome de Down - a más inri, será bautizado con el nombre de Mongo, lo cual me recuerda a una conversación del Matt Dillon de <strong><em>Algo Pasa con Mary</em></strong>-. Por si fuera Precious no sabe leer y por acudir a clases de alfabetización se enfrentará a su madre que en un arrebato de ira la propinará una tremenda paliza a ella y a su bebé recién nacido para regodeo del espectador bienpensante. La pornografía del sufrimiento humano está permitido siempre y cuando el resultado de película sea moralizante, ahí radica la máxima del espíritu Iñarritu. Muchos críticos salieron maravillados con las desventuras de esta jovencita del Bronx, que se pasea entre cameos de Mariah Carey- sale fea para demostrar que es buena actriz- y Lenny Kravitz - sale guapo para demostrar que los guapos también pueden sonreir a los feos-, mientras volvían a sus pisos de 300 euros la noche.</div><div></div><div></div><div></div><div></div><div><br />Michel Gondry también presentó ayer película, pero como era un documental, sin ningún actor, no pareció interesar mucho a nadie. <strong>L´Epine dans coeur</strong>, es un homenaje a la tía del realizador francés, una profesora anónima que según el propio Gondry ha influido decisivamente en su vida y su carrera. El realizador de Olvidate de mí, demuestra que el territorio de las historias mínimas y pequeños argumentos es en el que mejor se desenvuelve y si puede ser sin actuar como guionista mejor. Los pequeños retazos de relación amorosa entre García Bernal y Gainsbourg de <strong><em>La ciencia de los sueños</em></strong> y de los momentos de celebración del cine y la música se extraía también lo mejor de <strong><em>Rebobine, por favor</em></strong>, sus dos trabajos más personales. No es de extrañar que en esta historia que le toque de tan cerca y sea tan personal, de lo mejor de sí mismo. Gondry es único a la hora de hacer extraordinario, lo cotidiano y transportarnos a su propio país de las pequeñas cosas. No sólo rompe los convencionalismos de las piezas documentales (las interactuacciones de tía, sóbrino y cámara son memorables) sino que contiene la mejor escena vista en Cannes hasta ahora. Gondry y su tía acudiendo a la escuela donde ésta última había estado trabajando para enfundar ropa invisible a unos pre-escolares. Memorable.</div><div></div><div></div><div></div><div></div><div><br />Lo prometido es deuda y mis palabras finales del día de hoy irán dedicadas a <strong><em>Moon</em></strong> (mal que me pese no acabar con uno de los descubrimientos del año, <strong><em>Grace</em></strong> de Paul Solet y que tendrá que ser relegada junto a mañana junto a la muy reaccionaria <strong><em>Un prophete</em></strong> de Jacques Audiard). Es fascinante como la película de Duncan Jones puede alzarse en el panorama de la ciencia ficción con voz propia y peculiar cuando amasa tantas y tantas referencias a clásicos del género. Desde <strong><em>Blade Runner</em></strong>, y de esta en concreto podría hablar largo y tendido, pasando por el <strong>Solaris</strong>, más de la novela o Soderbergh que de Tarkovsky, el <strong><em>Alien</em></strong> de Ridley Scott. <em><strong>2001</strong></em>, interesantísima también la reversión de papeles con respecto al clásico de Kubrick, etc... Moon puede convertirse perfectamente en la paronoia corporativista por excelencia de este siglo XXI, se adhiere por ello a esa vertiente de películas que demuestra que el hombre actual no es sino un ser prescindible dentro de la terrible maquinaria institucional en la que nos movemos. Nuestra existencia no significa nada para el ente corporativo. Todos somos sacrificables por el bien mayor. Puro terror metafísico del siglo XXI.</div><div>Apoyado por una soberbia composición musical de Clint Mansell, Jones, juega habilmente a ser un esteta y recrearse en los bellísimos planos lunares y dar un respiro oxigenado a la agonía que supone estar encerrado con el astronauta protagonista en los pasillos de esa base lunar que acaba por convertirse en un ente más de un conjunto fantasmal. Mención aparte convienen destacar la utilización de Sam Rockwell, como elemento físico de catársis y auténtico motor a través de su perfilada actuación de toda la historia principal, demostrando una vez más que se encuentra en la élite de los actores nortemaericanos de la actualidad. Una lástima no poder extender más por falta de espacio, tiempo y fuerzas, pero habrá mucho tiempo para hablar de <strong><em>Moon</em></strong>, cuando cierto festival imaginémos se digne a programarla.</div><div></div><div><br />Mañana más... To, Audiard, Bong Joon-ho, Grace, y alguna nueva vuelta por el mercado.</div>chinocudeirohttp://www.blogger.com/profile/11365267310227413739noreply@blogger.com1